MV BIOGRAPHIES

MONDONGO

2009-01-06T21:48:00.001-05:00

Mondongo est un trio d'artistes punk alternatif de Buenos Aires, Argentine formé en 1999. Agustina Picasso, et les époux Manuel Mendanha et Juliana Laffitte sont des jouissifs du processus créatif, du chaos à l'oeuvre. Ils aiment travailler étroitement ensemble, partageant les idées, jouant avec, se complétant les uns les autres en optant toujours pour un propos qui provoque, qui exposent leur critique sociale. Dans leurs portraits, ils aiment opposer la personnalité à un matériau à-propos. Dans le respect du médium des peintres dans l'oeil, ils créent d'abord leur modèle à l'ordinateur en utilisant des photographies et des images trouvées sur le net pour créer un tableau étrange et original qui reflète les moeurs de notre société. Le tout prend vie en détail avec des couches de billes, de brillants, de biscuits, de bouts de fil, des morceaux de miroirs, de sacs à poubelle, de jujubes... Dans Le petit chaperon rouge, l'enfant capée qui tente de séduire le loup est élaborée avec de la plasticine pour évoquer les jeux de notre enfance. Ils ont déjà produit un tableau avec de la viande pour signifier les excès de table de la vie contemporaine et aspirent à en faire un avec de la cocaïne pour évoquer les conflits et les vies qu'elle détruit. Il serait inacceptable de le faire avec de la farine! Leur prédisposition ironique et leur perspective particulière sur la réalité, dénonciatrice, irrévérencieuse, défiant l'autorité, les institutions, la bourgeoisie et même le rôle de l'artiste est toujours porteuse de sens. De réputation internationale, leurs oeuvres figurent parmi plusieurs collections de musées.

Dans le portrait Tétitas, chaque pore du visage de l'enfant est un sein. Ceci fait appel au potentiel de la femme en devenir, de la jeune enfant élevée dans la moralité qui en tant que femme est l'objet de désir débauché... La féminité lui coulant par chaque pore... porté comme un masque.

Mondongo est aussi le nom d'une soupe nourrissante d'Amérique latine faite avec des tripes.

ZORN, Anders

2008-12-08T15:45:00.001-05:00

Anders Zorn est né le 18 février 1860. Son père était un brasseur de bière et connu sa mère, du fait qu'elle avait un travail saisonnier dans une brasserie. Il ne l'épousa pas mais reconnu la paternité de l'enfant issu de leur rencontre. Il mourut sans connaître son fils en 1872. Ses grand-parents l'élevèrent. Il fréquenta une école de Enköping dans le comté d'Uppsala en Suède à 12 ans et à 15, il entra à la Royal Academy of Art de Stockholm. Il démontra d'abord son talent en sculpture sur bois mais eût tôt fait de s'intéresser à l'aquarelle, la peinture et la gravure, desquelles il créa 289 plaques au long de sa carrière. En 1880, il soumis le portrait d'une enfant en deuil lors d'une exposition étudiante qui propulsa sa réputation et lui généra de nombreuses commandes. Entre 1881-1885, suite à la rencontre de celle qui deviendra sa femme, il étudia en France et en Espagne afin de s'assurer la capacité de générer un revenu pour sa future famille, conséquemment sa technique évolua grandement. Il épousa Emma en 1885 et les onze années qui suivirent, il les passa principalement en Angleterre et en France, mais revenaient tous les étés en Suède. La première année de son mariage vît ses aquarelles atteindre maturité et maîtrise qui lui valurent une solide réputation. En 1887, il entreprit sérieusement de peindre à l'huile. De 1889 à 1894, il composa des oeuvres relatant la vie de son village qui lui assurèrent la renommée à Paris. Bien que ce soit son talent de portraitiste qui le porta aux nuées de la réussite, en 1891, il emménagea à Paris et se concentra sur les nus extérieurs qui faisaient sa réputation. Subséquemment, il fit sept voyages aux États-Unis pour remplir des commandes de portraits dont trois de présidents américains. En 1896, il revint à sa Suède natale. Très attachés aux gens de Mora, lui et sa femme créèrent des organismes pour l'initiation à la lecture, une bibliothèque, un établissement d'enseignement secondaire, un foyer d'accueil pour les jeunes. Très malade dans les dernières années de sa vie, il mourut le 22 août 1920. Sa femme lui survécut de vingt-et-un ans. Elle déploya ses énergies à ériger un Musée à la mémoire de son mari tout en maintenant les actions bénévoles envers la ville de Mora et ses habitants. Elle mourut le 4 janvier 1942.

Il m'est arrivé à quelques reprises lorsque j'étais petite de croiser par inadvertance des gens qui se rencontraient chaleureusement, illicitement, clandestinement dans un champ, un bois, ou un parc, sans comprendre la surprise, les rires étouffées, les excuses, les mouvements rapides vers leurs vêtements éparses ou encore pendouillants deci delà à un bras, une jambe... mais je n'ai jamais perçu de honte. Je n'y voyais rien non plus, habituée à la nudité qui était une «denrée» quotidienne dans l'entreprise de conditionnement physique de mes parents. Dans ma famille élargie, plus catholique que le pape peut-être, tout était tû, caché, nié, réprimandé et fait derrière des portes closes sans un bruit, à la noirceur... Nous ne pouvions en parler ni l'évoquer mais nous ne devions surtout pas être complexées de notre corps... Messages mixtes complexes à démêler. Cela me fait observer qu'il y a longtemps que j'ai surpris quiconque... Tout est ouvertement là, à la vue et au su de tous, ou tout est monneyé, plus rien de vraiment intime dans la nature... du moins, en ville!

ZHU, Yi Yong

2008-12-08T15:36:00.002-05:00

Zhu Yi Yong est né à Chongching dans la province Szechwan en 1957. En 1977, il a été du premier groupe d'étudiants à être admis après la révolution culturelle en peinture à l'huile au département de peinture de l'Institut des Beaux-Arts de Szechwan en Chine. Après sa graduation, il devint professeur associé en peinture à l'huile, poste qu'il occupe toujours. Il a une excellente réputation en Chine et, est détenteur de prix prestigieux. Ses travaux figurent dans le Musée national des arts de Chine à Beijing. Son style est hautement réaliste et il est réputé pour son maniement délicat de la lumière. Sa série monochromatique sur les enfants qui, jouant à l'universel Cat's Cradle, manipulent chacun une version d'une étoile de fil rouge - symbole du communisme et du socialisme, exprime ainsi, à la fois le vestige de la mémoire collective chinoise, la perpétuation du principe de force commune, sa fragilité et la possibilité individuelle de l'interpréter qui se trouve dans les mains de la descendance.

Tant d'aspects de cette photo me semble familiers: la joie communicative de l'expression de l'homme, le regard inquisiteur de l'enfant qui tient en place adroitement le fil rouge. Ce sont des aspects universels de l'humain. Mais je ressens aussi une vague crainte car ces humains-là, d'une culture qui ne m'est pas familière, détiennent peut-être un pouvoir de se renouveler que la génération des miens n'a pas... eux en émergence, nous en obsolescence... et c'est la balance du monde qui pourrait bien changer...

Le nombre. La jeunesse. Têtes et pieds nus. Le mur. La brèche. Et le reste est confus.

ZHENG, Zhi Yue

2008-12-08T15:32:00.001-05:00

Zhiyue Zheng est né à Shanghai en Chine en 1957. Il tient sa première exposition à l'âge de douze ans. Il a étudié l'illustration au Beijing Central Academy of Arts and Crafts et la peinture à l'huile au Jiao Tong University à Shanghai. De 1980 à 1988, il a tenu maintes expositions régionales et nationales en Chine desquelles il remporta plusieurs prix. Membre de la Stony Brook Picture Research Institute et de la China Artist Association (Shanghai Branch), il réside maintenant au New Jersey aux États-Unis.

Cette jeune tibétaine a le regard inquisiteur de n'importe quel enfant intelligent, confiant et méfiant à la fois. En examinant ce portrait, l'on retient une information intéressante et colorée d'une culture, qui de mon point de vue nord américain m'est étrangère. Elle donne à cette toile un intérêt particulier. Mais au-delà de l'innocence et de la curiosité, il y a quelque chose d'impudique dans ce regard, du sien comme du mien. Mon regard de parent voit la possibilité de contamination. Ce n'est pas ce que je voie qui me préoccupe, mais ce dont cette enfant est témoin. Les enfants absorbent tout comme des éponges... et tout ce qu'on absorbe détermine ce que nous sommes. C'est l'artiste chinois qu'elle examine ainsi. La culture tibétaine est en danger d'être éradiquée par la contamination de sa descendance face à l'hégémonie chinoise. Je dis contamination parce que ces nouvelles informations que l'enfant recueille sont invasives et affectent son identité. À l'artiste qui a peint ce tableau, je peux dire qu'il a créé une oeuvre merveilleuse. Mais la nation dont il est issu est responsable d'une contamination qui nous laissera tous appauvris, qui laissera les générations tibétaines à venir dans la confusion, coupées de leurs racines, de leur histoire, anonymes et diffus. Ultimement tout est changement. Mais qui nous le signifiera si les symboles d'un peuple qui avait pour culte la sagesse, la connaissance de soi et la paix se trouvent ainsi dévastés?

ZEC, Safet

2008-12-08T15:25:00.001-05:00

Safet Zec est né en 1943 à Rogatica en Yougoslavie (aujourd’hui Bosnie-Herzégovine), fils de coordonnier, le dernier de huit enfants. Il commence à dessiner et à peindre à douze ans. Il gradua d'abord de l’École des Arts Appliqués de Sarajevo, puis de l’Académie des Beaux-Arts de Belgrade en 1969. Le courant montant de l'époque était le post-modernisme... à contre-courant avec sa tendance naturelle au figuratif. Cela l'a désillusionné: il détruisit la majorité des oeuvres de cette époque. Il crû abandonner l'art pour la musique un temps, mais il ne pu s'y résoudre. En 1983, il rénove une maison historique avec sa femme et s'établit un atelier à Pocitelj, près de Mostar, une sorte de colonie artistique. Quatres ans plus tard, il revint à Sarajevo tout en faisant la navette à Pocitelj. Avant la désintégration de la Yougoslavie, le rayonnement de la réputation de Zec commençait à dépasser les frontières. Il était à la tête du mouvement "réaliste poétique". Ses travaux étaient exposés dans les galeries en Europe, en Amérique du nord et du sud, au Japon. En 1991, son rêve d'une vie tranquille d'artiste dévoué à son art commença à s'effriter. À son grand désarroi, il a été témoin de sa ville qui vivait paisiblement jusque-là la multi-ethnicité, la multi-religiosité, la multiplicité des langues et des cultures et l'a vu imploser en confrontations haineuses et désastreuses. Cela le laisse encore perplexe et désorienté aujourd'hui. Sa maison et son atelier furent les premiers à périr, ses gravures, les plaques qui représentaient des années de travail disparurent. Puis, ce fut Sarajevo, les gens mouraient, il ne pouvait plus subvenir aux besoins de sa famille, il était temps de partir. Un ami, Corrado Albiccoco l'accueillit à Udine au nord-est de Venise en Italie en 1992 avec sa famille et lui ouvrit les portes de son atelier. Bien que cela lui fut difficile de repartir de zéro, il produit, depuis, une oeuvre superbement riche.. de silence. Ses grands thèmes sont les arbres, les fenêtres, le pain, les outils de travail, les façades et les barques. Aujourd’hui il travaille à Venise et dans son ancien atelier à Sarajevo. Il expose régulièrement à Venise, Paris, New York, Sarajevo…

Cette scène me rappelle mes visites clandestines chez ma grand-mère maternelle. Bien que pauvre, souvent, elle avait de la soupe au feu, et une tarte au four. Si j'avais le malheur de manger trop vite mon morceau, elle concluait rapidement que j'avais encore faim et elle m'en redonnait... À chaque visite, on pouvait lire la joie sur son visage alors qu'elle s'affairait à dresser la table. Et tout était bon. J'ai beaucoup apprécié ces visites où nous avions le temps de partager... Elle était d'un naturel généreux et très expressive. Elle aimait bien rire. Elle avait un faible pour ses enfants adultes les plus troublés qui, sans vergogne, venait la dérober de ses économies. Ils en avaient plus besoin qu'elle, disait-elle, sans rancune. Vers la fin de sa vie, elle devint paralysée et ne pu plus parler, ni nous serrer dans ses bras. Afin de nous signifier sa joie et son affection, elle nous mordait (sans dent) la main. Jusqu'à la fin, ses yeux bleus furent pétillants et animés. C'était de l'amour, inconditionnel et bienveillant.

ZDRALE, Zack

2008-12-08T14:57:00.001-05:00

Zack Zdrale est originaire du Wisconsin. Bachelier en Arts et sciences en 1999, à sa graduation, il entreprit des études d'après modèle vivant auprès de Robert L. Schultz. Il a aussi travaillé dans l'industrie de l'impression au cadre, le design, les produits imprimés et posters pour les groupes musicaux. Suivirent, d'autres cours de dessin avec modèle au Pacific Northwest College of Art. Sa formation, avec une forte approche des maîtres du 16e et 17e siècle, atteint son paroxysme au cours de ses études de maîtrise en peinture figurative à l'Academy of Art University de San Francisco dont il gradua avec honneurs. Aujourd'hui, il enseigne là-bas aux départements des études des premier et second cycles. Ses compositions et thématiques sont très contemporaines et rendent compte de la condition humain telle qu'il la perçoit, mais ses tableaux sont exécuté avec une fine et impeccable technique traditionnelle. Il fut choisi par la San Francisco Art Dealers Association pour figurer dans le programme d'introduction de nouveaux talents de 2008.

Cette image est puissante. Se battre. Bien que je sois une femme, j'ai été entraînée très jeune à l'idée de me battre pour défendre ma vie. Je n'ai pas reçu d'entraînement formel, mais mon père tenait à ce qu'on ait le sentiment de pouvoir nous défendre nous-mêmes si en situation de désavantage. Il m'a déjà dit que si une femme voulait, elle pouvait toujours se soustraire à une attaque et pour soutenir ses propos, il me retenait dans une position ne me permettant pas de bouger jusqu'à ce que l'épuisement, la peur et le désespoir me gagnent... et parfois au-delà, jusqu'à ce que je sentes se transformer l'énergie en moi dans une intention froide et puissante: me libérer sans riposte. Le jour où j'y suis parvenue, il n'y eût plus ce jeu. Bien intentionné, mais inapproprié, maladroit et sans méthode. C'est beaucoup plus tard que je me suis intéressée à la discipline physique et au rapport d'énergie comme dans le Tai Chi ou le Wing Chun car le goût de me battre défensivement ne m'a jamais quittée. C'est très différent de se battre pour sa supériorité, pour maintenir son pouvoir en place, ou comme rite de passage nécessaire dans le monde des hommes...

ZACCHI, Jean-Marie

2008-12-08T14:49:00.001-05:00

Jean-Marie Zacchi est né le 9 avril 1944. Diplômé de l'École supérieure des arts modernes de Paris. Il débute sa carrière en 1963, à 19 ans, au Salon des artistes français au Grand Palais de Paris. Depuis, il cumule des titres impressionnants: en 1991, il est peintre officiel pour l'armée; en 1997, membre du comité directeur de la fédération des clubs sportifs et artistiques de la Défense;Président du Salon Violet et du Salon des Artistes français, puis Président d'honneur; Président du 17ième Salon D'Alger; Conseiller de la Japan International Artists Society de Tokyo; Président d'honneur du Taiyo Bijustsu Kyokai-Japon; membre du Conseil français des arts plastiques pour l'UNESCO. Il expose bien sûr en France et dans les pays d'Europe mais aussi au Mexique, en Corée et aux États-Unis. Plusieurs musées autour du monde lui ont rendu hommage. Musées et collections privées possèdent de ses tableaux dans les pays pré-cités et aussi au Brésil, au Chili et en Israël. Bien que l'on puisse dénoter une tendance à l'abstraction, il aime dépouiller le réel, selon une vision réaliste, élégante et sensible. Des bleus magnifiques, des formes détaillées que l'on peut constater devant soi et alors que ce qui se profile au loin est deviné. Un point de vue concret et subtil à la fois. Une belle élégance. Un bel équilibre entre la réalité de le rêve qui donne de la noblesse à ce qui en paraît dénué. Le bleu, couleur de l'eau et du ciel est presque toujours présent.

Marine marchande. Je portes dans mon souvenir la mémoire d'un personnage attachant et unique qui avait fait de la marine marchande son domaine. Ingénieur sur les bateaux, sa vie était faite de contrastes - vie de solitaire dans un univers étroit d'hommes à bord et vie extrême dans les bras de toutes les femmes qui voulaient bien de lui... pour un prix... à terre. Voyageur et buveur aguerri, il avait visité plusieurs fois les ports et les pubs de la planète. Lucide, il a senti un jour l'obligation de se créer un pied-à-terre, lui permettant de se sentir citoyen de quelque part, impliqué dans des rapports normaux au sein d'un réseau amical fait d'hommes et de femmes, loin des extrêmes. Ainsi, il a mené sa vie tripartite pour quelques années. Un jour, il apprît que son corps ne lui laisserait plus longtemps à vivre. Il s'est désengagé de tout, a tout donné, a remeublé un nouvel appartement qu'il a laissé pratiquement dans ses emballages. Il repris un bateau et c'est en mer, assis dans l'espace étroit de sa cabine, là où il aimait lire le soir qu'on le retrouva, mort. La veillée de prière eût lieu dans son club de danseuses favori, après le rapatriement de son corps, dans la ville qu'il avait élue son foyer, dans le respect et profond recueillement de tous ceux et celles qui l'avaient aimé et bénéficié de son coeur d'or. Parmi eux, un compagnon de voyage inséparable dont il avait toujours refusé de nous présenter pour sa loyauté aux excès: bouille sympathique, même rire, même bonhommie directe, même vie tripartite. Ce frère de sang mourût quatre mois plus tard, le coeur brisé, dans les mêmes conditions. Il n'y eût pas de nuitée funéraire. Il n'y a plus eu que l'impression chétive d'entendre le ressac sur la coque, ou était-ce les battements tristes de notre coeur?

WISE, Marie

2008-12-08T14:22:00.001-05:00

Mary Wise a toujours su qu'elle était artiste. Sa mère lui a appris très tôt à peindre. Adolescente, elle traînait partout ses pinceaux et ses crayons. Bien qu'elle se considère autodidacte, elle a joui d'un enseignement formel en art. Elle a avidement suivi les cours de peinture sur video de Daniel Green. Puis, en 1976, elle fit son entrée à la Montana State University pour un baccalauréat en Beaux-Arts avec majeur en peinture. Plus tard, elle étudia la gravure à l'Université Gonzaga. Elle n'a jamais cessé ses lectures sur les techniques des grands maîtres et d'autres artistes. Elle admire beaucoup et s'inspire de peintres tels Georgia O'Keeffe, Gustav Klimt, Claude Monet et Vincent van Gogh. Comme sa famille avait déménagé souvent au cours de son enfance, elle s'est promis de ne plus bouger au moment de son mariage à Allen Wise qui partage son intérêt pour la peinture, l'art et l'histoire de l'art. Ils se sont installés à Kalama dans l'État de Washington où ils vivent toujours. Ces années furent principalement dédiées à ses enfants. Jusqu'en 2006, elle fit quelques explorations avec les médiums de l'aquarelle, des crayons de couleurs et du pastel sur papier. C'est après ce hiatus de vingt ans, qu'elle se replongea avec joie dans la peinture de manière plus sérieuse. Elle reprit des cours techniques auprès de Pamela Green de Lake Oswegon en Oregon en 2006. Suivi de deux années d'ateliers au Hipbone Studio , une auprès de Gage Mace et l'autre en atelier de modèle vivant. afin de se spécialiser en peinture figurative. Elle nourrit l'espoir de rejoindre les grands circuits. Il y a peu d'opportunités à Kalama, mais elle figure partout où elle peut: les commerces, les banques, les restaurants, les boutiques de cadeaux. Au cours des années, plusieurs de ses oeuvres ont été acquises par la famille, les voisins, les gens de sa communauté et quelques corporations. Entre autres, elle a attiré beaucoup l'attention avec sa série sur les éoliennes. Mary produit aussi des paysages, des portraits, des natures mortes, des fleurs, des scènes portuaires.

La première voiture de mon père fut d'un modèle semblable, mais bleu poudre. Ce fut la première d'une ribambelle de grandes ritulantes spectaculaires. Tous ces modèles ont flatté son ego, au même titre que les robes pour ma mère. Ne désirant pas abandonner son portefeuille à sa coquetterie, il a toujours choisi des modèles seconde main, pour une fraction de la valeur du clef-en-main chez les concessionnaires. Il se plaignait que ma mère ne sache faire de même! Il a toujours mis de l'emphase sur la planification intelligente. Hormis les allées-retour au boulot, ce sont lors des excursions du dimanche que ses voitures ont roulé le plus souvent. Dû à l'âge, à un problème congénital aux yeux qui s'est détérioré gravement ces dernières années, il s'apprête à redevenir un strict passager. Une étape de plus pour le rendre à la poussière. Deux grandes fins difficile à dissocier. Difficile.

ALEXANDER, John WHITE

2008-12-08T14:09:00.001-05:00

Alexander John White est né le 7 octobre 1856 à Allegheny en Pennsylvanie. À 19 ans à peine, il commence sa carrière comme caricaturiste et illustrateur politique pour le magazine Harper's Weekly en 1875. En 1877, il suivit une formation en art à Paris, puis à Munich à la Kunstakademie sous Gyuala Beczúr. En 1878, il rejoignit une communauté de peintres américains établie par Frank Duvenek à Polling en Bavière. Le groupe voyagea en Italie l'année suivante où Alexander John se lia d'amitié avec James McNeill Whistler et Henry James. Il revint à New York en 1881 pour travailler pour Harper's et pour Princeton en tant que professeur de dessin. Il devint un portraitiste à la mode de la haute société. En 1893, sa réputation s'était étendu aux États-Unis et en Europe. À partir de 1895, on lui commanda une série de murales pour la Bibliothèque du Congrès à Washington D.C., s'ensuivit de nombreuses commandes tant pour des murales que pour des portraits. Il mourut le 31 mai 1915 à New York.

Le profil de ce visage pourrait être celui d'une de mes tantes dans sa jeune trentaine. Ma mère a vécu au sein d'une famille nombreuse jusqu'à son adolescence. Ce fut toujours pour moi un mystère curieux à imaginer: avoir six soeurs. J'en ai une seule et il est souvent difficile de transiger ensemble... Sur un nombre plus élevé, il devrait y avoir de plus grande chance de trouver une âme semblable, des affinités complémentaires et une douce connivence. La possibilité d'avoir un frère m'a semblé obsolète à partir du moment qu'il m'apparu clairement qu'en tant qu'aînée, j'en serais responsable. C'est pourquoi probablement, j'accueille une communauté matriarcale de chattes en compagnonnage depuis plus de vingt ans déjà... et notre meute se porte bien, merci!

WHITAKER, William

2008-12-08T14:01:00.001-05:00

Ayant grandi dans le sillon rempli de sons, d'odeurs et de visions de l'expressionnisme abstrait d'un père artiste, William Whitaker eût le loisir d'un accès libre au meilleur matériel pour l'aquarelle et l'huile dès ses six ans. Ceci engagea sa vie en art tout naturellement. Au collège, il développa un fort intérêt pour le réalisme traditionnel qui contredisait ses racines abstraites. Sous l'encadrement attentif d'Alvin Gittins de l'Université de l'Utah, il pu recevoir les bases académiques qui lui permirent d'explorer différents styles et qui lui firent accepter sa tendance traditionnelle et mettre graduellement de côté les notions surestimées de son enfance. Il aime peindre in vivo dans son atelier munie d'une haute fenêtre sur la façade nord. Cela crée une atmosphère magique dont il ne saurait se départir. Il cherche à rendre l'âme à ses modèles, c'est ainsi qu'il considère son travail spirituel. Il admire les jeunes qui suivent cette voie hors des sentiers battus du monde contemporain et à l'encontre des critiques qui trouvent vaine cette voie. Il pratique son métier depuis 1965. Il a été professeur d'art universitaire et il est encore mentor pour une couple d'étudiants pour le plaisir. Il peint trois à quatre heures par jour.

J'adore les tons du bois de cette maison sur pilotis. J'aime le sujet simple et dramatique qui soulève plus de questions que propose de réponses. Une opposition de l'homme vêtu de couleurs sombres tapi dans l'ombre à la femme sous la lumière directe, dans une robe blanche qui semble se diriger librement nu pied, intimement liée à ce lieu... J'ai déjà vécu dans une petite communauté de maisons sur pilotis à Saint Augustine en Floride sur la plage faisant partie de la réserve marine nationale. Ce que j'ai le plus aimé était le rythme de vie près de la mer, la chaleur quasi constante, le nez au vent. Et la manière dont la lumière changeait l'apparence de tout. Il y a aussi une vie plus active qu'il n'y paraît lorsque nous n'y sommes pas en vacances, mais avec une saveur complètement différente que dans mon pays nordique... Les gens y circulent plus libres comme le vent... un vent chaud, une brise douce et constante... c'est un rythme incrusté dans le caractère des gens...

WESTON, David

2008-12-08T13:51:00.001-05:00

David Weston est de Mevagissey dans Cornwall en Angleterre. Il y tient son studio d'art. Dans les années '60, il fréquenta les Collèges d'art de Stourbridge et de Birmingham. Il fut propriétaire de sa propre galerie dans les années '70. Jusque dans les dernières années de cette décennie, il travailla l'huile et la céramique, mais c'est l'aquarelle qui devint son médium de choix dans les années '80. Subséquemment, sa galerie devint entièrement dédié à ses propres oeuvres. Il compte de nombreuse expositions à son actif, il a récemment repris l'huile un peu plus souvent sur de grands canvas, sur des thèmes portuaires semi-abstraits.

La transparence de l'eau. Dans ma ville natale, il y avait un lieu à proximité de la dam où nous comptions une descente de bateau encastrée dans une façade architecturale et une promenade cimentées que la ville avait agrémenté de lumières électriques. Jusque-là, il y avait eu des roches massives jetées là pour prévenir l'effondrement de la rive, du gazon, des fleurs et de la terre battue mêlée à de la petite gravelle. C'était un endroit très achalandé les soirs de weekend par les amoureux qui se promenaient main dans la main sur les sentiers dans la pénombre fraîche. Le jour, les jeunes y étaient nombreux car à cette époque, on pouvait sans crainte se baigner dans la rivière. Ils se tenaient agrippés à la rampe de l'esplanade en s'interpellant ou s'invectivant joyeusement. Les pères, les oncles et leurs amis descendaient, chacun leur tour, leur bateau à l'eau, s'entraidant et juste avant la brûnante, tous ressortaient les bateaux en poussant avec s'exprimant avec des jurons, exténués et brûlés après une longue journée de plein soleil et de vent... Je crois que ce souvenir est resté gravé en moi car cette joyeuse activité était une curiosité. Mes journées, à mon grand étonnement, se passaient avec beaucoup plus de restreinte... et ils m'intéressaient beaucoup avec leurs cris et leurs rires... au grand dam de mes parents qui me désiraient sage, voire immobile. Quinze petites années plus tard, il n'y avait plus de baignade: notre rivière avait été déclarée la plus polluée du Québec avec maintes espèces de poissons et de faune mutantes. Il n'y a plus aujourd'hui de transparence de l'eau.

WEERS, Jerry

2008-12-08T13:44:00.001-05:00

Jerry Weers est né en 1953 à Fort Worth au Texas. Comme il est le fils aîné d'un officier des Forces armées américaines, il a vécu son enfance un peu partout aux États-Unis et à l'étranger, incluant trois ans au Japon. Son père qui peignait a encouragé ses talents artistiques. Au collégial, il reçu une formation en dessin et peinture tout en poursuivant un diplôme en Anglais. À sa graduation du Texas Lutheran College en 1974, il abandonna ses études pour devenir peintre à temps plein. Au début de sa carrière, il peignait exclusivement à l'aquarelle, mais après des études en gravure en 1980 à l'Institut de San Antonio, il produisit ses oeuvres à l'eau-forte. Aujourd'hui, son médium principal est l'huile qu'il perfectionna auprès de David Leffel et Gregg Kerutz de la Scottsdale Artist School. Il aime les natures mortes pour lesquelles, il collectionne des vases, des bols et autres objets d'intérêt. Il est favorable aux paysages qu'il a vu en voyage: ceux de Nouvelle Angleterre, du Mexique, des États-Unis du sud-ouest, et ceux de l'Angleterre. Il est de l'école des réalistes, pas selon une proximité photographique, mais surtout par une étude assidue de la lumière. Son studio est installé à Seguin au Texas, 40 milles à l'est de San Antonio.

Une lumière oblique éclaire des poires et des groseilles sur un fond olivâtre subtilement nuancé. Tout semble placé savamment, rien n'est laissé au hasard. Ce genre de pratique exige une maîtrise quasi parfaite du moindre détail. Qualité obsessive-compulsive. Ce besoin de rectitude entre le geste et l'oeil est un objectif idéal exigeant. Mais il est cela, idéal, pas réel, pas chaotique comme la réalité...

WATERS, Alan

2008-12-08T13:37:00.001-05:00

Alan Waters est originaire de Nouvelle-Zélande. Pour plus de trente ans, il a vécu en Angleterre et en Australie avant de décider de revenir au bercail, plus précisément dans la municipalité d'Invercargill en 2002. Bien qu'il ait peint toute sa vie, c'est alors qu'il vivait en Australie que sa carrière pris son envol. Il peint l'aquarelle à temps plein depuis 1995. Il trouve que son médium offre toute la possibilité de vibrance pour n'importe quel thème choisi: rester tenace et accepter les défis que l'aquarelle représente a été amplement justifié en ce qui le concerne. On le connaît pour la variété de ses techniques, de ses compositions et de ses sujets mais ses choix sont de plus en plus contemporains. Il peut compter à son actif maints accomplissements et succès en compétitions, en vedette dans des articles et revues de journaux et d'écrits sur l'art. Son expérience ne manque pas d'attirer la plupart des personnes intéressés aux arts.

Enfant, il m'arrivait souvent d'être laissée à moi-même assise sur le siège arrière de la voiture lors de longues randonnées dominicales. Après la première demi-heure d'anticipation passée, suite au départ, entre deux poussées interrogatoires sur notre destination, ou notre éventuelle arrivée, si je ne m'endormais pas, il ne me restait plus que l'option de regarder défiler le paysage... J'ai toujours aimé l'effet des illusions optiques, des formes cachées dans les formes... Je me rappelle avoir regardé défiler le paysage derrière mon peigne... pour m'étonner que j'étais tout de même capable de reconnaître ce que je voyais si je changeais le focus de l'obstacle (le peigne) au lointain horizon... Ma seule crainte était de rester les yeux croches!

WATERHOUSE, John Williams

2008-12-08T13:26:00.001-05:00

John «Nino» William Waterhouse est né à Rome de parents artistes. Il devint apprenti en 1885, puis un artiste licencié en 1895. Timide et fermé, on sait peu de chose de sa vie privée car il n'a laissé aucune trace de son passage, ce, probablement intentionnellement, hormis ses oeuvres. Il s'est marié en 1883 dans la municipalité de Ealing dans West London, mais son mariage demeura sans enfant. Le couple vécut toujours dans des communautés artistiques, d'abord à Primrose Hill, puis à St John's Wood. Un des artistes les plus en vue de la seconde moitié du 19e siècle, ses thèmes favoris furent l'antiquité et les légendes. Il maîtrisait particulièrement bien la chair dans ses portraits de femme, leur insufflant une vitalité quasi palpable. Il travailla jusqu'à la fin de sa vie qu'il perdît au cancer en 1917.

On va me trouver pas trop sérieuse, mais ce qui m'a frappé dans cette toile est la ressemblance entre cette jeune fille et la jeune actrice Keira Knightley du film de Disney Pirates des Caraïbes! Ne vous est-il jamais arriver de vivre un moment d'ambiguïté devant une personne dont vous pouvez jurer qu'elle est le double de quelqu'un d'autre? Son sosie? Son jumeau? Nous sommes des individus uniques et pourtant pour certains d'entre nous, notre différence doit tenir à des choses plus intangibles que l'apparence... notre alimentation, la différence des expériences dans nos environnements, divers impacts qu'elles ont sur le corps et la persistance du stress qu'elles induisent, tous facteurs relevant de l'épigénétique... mais aussi, la nature de nos communications et de l'expérience de l'amour, de la confiance en soi et en autrui. Qui sait cette toile fut peut-être inspirée par une ancêtre de Keira?

WALDMÜLLER, Ferdinand Georg

2008-12-08T13:17:00.001-05:00

Ferdinand Georg Waldmüller est né le 15 janvier 1703 à Vienne. Il a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne. Il a enseigné l'art dans la maison du Compte Gyulay à Bratislava. À son retour à Vienne, il enseigna à l'Académie des Beaux-Arts. Il copia les grands maîtres et peignit des portraits, des natures mortes, mais il fut connu surtout pour ses paysages finement détaillés. Il était le membre le plus représentatif du mouvement Biedermeier, un titre satirique pour symboliser la classe moyenne qui mettait l'accent sur la vie de famille et les activités dans l'intimité après les guerres napoléoniennes. Il considérait que l'intime connaissance de la nature devait être la base de la peinture. Après qu'il eût publié ses travaux présentant sa perspective sur l'enseignement des arts, reflétant un point de vue opposé à celui dont l'Académie faisait la promotion, il fut remercié en 1857 et réintégré en 1863. Il est mort le 23 août 1865 à Hinterbrühl en Autriche.

Les bouquets de fleurs de ses toiles sont somptueux... de vie. La lumière, l'ombre, les couleurs, les textures d'un quotidien luxueux mais sans fard. Et l'intimité, traduite ici dans la lecture partagée d'une missive émoustillante à en juger par le rouge des joues de la jeune fille et l'espièglerie de ses compagnes... Curieux de penser que cette scène ait pu être risible et objet de satires... comme quoi les modes ont eu leur intransigeances bien avant notre temps!

WACHOB, Amanda

2008-12-08T13:10:00.001-05:00

Amanda Wachob est née à Buffalo, New York. Photographe ayant adopté la peinture, en 1998, elle a terminé son baccalauréat au Purchase College State University, New York, fait une résidence à Pisciotta en Italie et suivit une formation d'artiste de tatoo. Malgré qu'elle soit une voyageuse dans l'âme, elle revient toujours au bercail. Selon l'angle d'une vision féministe, elle présente des images satiriques de femmes des années '50 et '60. Ses travaux ont parus dans la revue Juxtapoz, dans maintes expositions nationales et internationales tels Basel Miami, Strychnin Gallery N Y, Minascapes Osaka, Blutenweiss Berlin and Roc La Rue Seattle.

Cette toile encapsule la période glorieuse de la force de l'âge de mes parents. Modernes, à gogo, à la mode, avant-gardistes. Des symboles, des lignes nettes, des séparations psychologiques dans les grands espaces vides architecturaux. Le chignon bien fait et les pantalons pressés. La femme issue de la côte de l'homme qui prend une marche hors des sentiers battus vers l'indépendance. Résistance, premiers divorces, la pilule, révolution tranquille, contestation en douce défrichant le terrain pour la génération montante...

VON MENZEL, Adolph

2008-12-08T13:03:00.001-05:00

Adolph Von Menzel est né le 8 décembre 1815 à Breslau (Wroclaw) en Allemagne. Son père était instituteur et fondît un journal lithographique. Adolph y travailla à partir de ses quatorze ans. La famille emménagea à Berlin en 1830 et la responsabilité de la famille lui incomba suite au décès subit de son père. En 1833-34, il fréquenta la Royal Academy of Art. Son succès d'artiste lui est venu suite à une commande d'une série de lithographies sur Künstlers Erdenwallen (Artiste de la terre Wallonne) de Goethe. Lorsqu'il rejoignit les rangs de la Younger Artists' Association, son médium était devenu l'huile et quatre ans plus tard, il pu joindre la Elder's Artists'Association. L'année suivante, il reçut une commande pour une toile figurant Frédéric Le Grand. Ceci l'engagea dans un cycle sur la vie et les accomplissements du grand homme sous forme d'illustrations et de toiles qui s'étendit jusqu'à la fin de sa vie. En 1853, il devint professeur à la Royal Academy of Art Academy. Il connût les honneurs dans son pays et ailleurs au cours de sa vie: Croix de la Légion d'honneur, doctorat de l'Université de Berlin, citoyen honoraire de Breslau, de Berlin, membre honoraire de la St Petersburg, la Paris Academy, la London Academy et décoré Chevalier de l'Ordre noir. La première rétrospective sur son oeuvre eût lieu en 1884. Il mourût à Berlin le 9 février 1905.

Portes ouvertes sur le jardin où on trouvait toujours des plantes en fleurs, rideaux au vent, soleil d'après-midi, petit confort de vieille bourgeoisie. Il y a déjà quelques années de cela, je me rendais régulièrement à la maison de campagne d'un ami. Cette ambiance paisible et dénudée y régnait. Mon ami dédiait son temps à la restauration à l'époque victorienne de sa demeure... à son rythme et aux rythmes de jazz et de blues. Il investissait un temps précieux à peaufiner des détails sans s'en faire qu'il y ait peu de meubles dans la maison. Le strict nécessaire possédait encore le marquage dérisoire de son coût à quelque encan ou brocanteur. Les plus belles journées, on les passait au soleil à laver la voiture sur le parterre tout en regardant les courses automobiles à la télé qui seyait confortablement à l'ombre sur le perron, ou bien, nous nous asseyons entre le poirier et le jardin de tomates derrière la maison à lire ou regarder les vaches dans le champ voisin. L'air circulait constamment et épurait nos idées. Les samedi soirs comptaient un repas à déguster entre amis, des rires et des échanges intellectuels qui faisaient de ce lieu un second chez soi pour chacun. La simple beauté du temps qui passe, de chaque chose, y était extraordinairement riche et sécurisant...

VITEC

2008-12-08T12:55:00.001-05:00

Vitec ou Monsieur Stanecki est polonais et né en 1955. Il est observateur et peintre d'oiseaux. Il vit à Windsor dans le Berkshire en Angleterre avec sa femme qui, elle, aime peindre les chats à l'aquarelle. Ensemble, ils ont au moins un enfant, un garçon.

Le perroquet est un oiseau fascinant. Il vit vieux. Il est intelligent et capable de reproduire des sons relativement complexe... quand ça lui chante. Il peut comprendre plusieurs centaines d'expressions dont la notion du vide, de la Ô cruelle absence... Comme il apprend par association, il aime répéter ce qu'il entend et le reproduire dans la séquence... Et comme le soleil, il est debout assez tôt. Cela ne fait donc pas un bon compagnon pour les couche-tards. Il est quand même malheureux qu'on leur coupe les ailes, ceintes de leur magnifique et coloré plumage, afin de s'assurer leur... amitié éternelle. Ces oiseaux me rappellent les tortues, mais je ne saurais décrire pourquoi. Le regard de vieux sage peut-être. Détenteurs de maints secrets, de trop nombreux souvenirs.

VETTRIANO, Jack

2008-12-08T12:41:00.001-05:00

Jack Vettriano est né à Fife en Écosse en 1951 et il partage son temps entre Fyfe, Londres et Nice. À 16 ans, il quitte l'école pour travailler dans une mine. Il reçoit une boîte de couleurs pour aquarelle en cadeau pour ses 21 ans et dès lors, il explore pendant tout son temps libre la peinture en autodidacte. Il peint des scènes contemporaines d'intimité aux couleurs du cinéma français, anglais, américain; des femmes fatales, d'une autre classe, menant un style de vie huppé, blasé, langoureux ou solitaire. Tous ces tableaux contiennent de forts symboles d'une vie bourgeoise enviable. En 1989, il soumit deux toiles à l'exposition annuelle de la Royal Scottish Academy: elle furent vendues le premier jour. L'année suivante, il réitéra avec trois tableaux, et ils disparurent sans attendre. Ceci lança sa renommée. Boudé par la critique, adulé du public, son art l'a rendu millionnaire.

Au premier degré, j'ai certes pu choisir cette toile parce que je n'ai pas de bain et que cette toile peut satisfaire ce fantasme d'un moment de toilette, de détente immergée dans l'eau. Mais aussi pour la grandeur de la pièce où semble se produire cette scène... Placer des tableaux dans une salle de bain, il ne faut pas craindre l'humidité ou avoir les moyens de changer les oeuvres d'art comme des petits pains... Il ne faut pas non plus craindre de perdre sa mise en pli. Ce qui amène mon propos vers cette mode bourgeoise d'installer à aire ouverte la salle de bain et la chambre des maîtres... Faire l'expérience de grands espaces aérés même lorsqu'on vit dans petit. Confondre repos au lit et repos au bain... être deux à se détendre ensemble... Exciter le regard de l'autre à se laver derrière la transparence de panneaux vitrés au bout du lit. Ne pas désirer de séparation entre nos univers intimes. Certes pas réfléchi pour le cas où on devient malade, vieux et moins joli à examiner... Monsieur Vettriano nourrit les fantasmes... mais ce sont de vieux stéréotypes de l'élégance qu'il dépeint adroitement ainsi...

Jeu de mots, jeux de mains: Right X - peut signifier un bon ancien amant, la posture confortable de la cuillère avec les bras qui se croisent pour mieux s'enlacer. Un moment d'intimité, d'unisson illicite ou non... Contents de se retrouver, d'être juste là, ensemble.

VERSCHAFFEL, Agathe

2008-12-08T12:27:00.002-05:00

Agathe Verschaffel est née au milieu des années '80. Encouragée par ses parents, elle peint depuis ses douze ans. Sa première exposition, qui a reçu un excellent accueil du public, a eu lieu à quinze ans. Autodidacte, elle a d'abord exploré l'abstrait, le classique, les projections, la peinture corporelle avant d'établir son propre style hyper-réaliste au fil du temps. Maintenant, elle manie beaucoup le noir et blanc car c'est ce qui l'émeut le plus par l'impact de ses contrastes, et à l'acrylique, car cela sèche plus vite. Elle aime les architectures de bâtiments, de la mécanique, des bidonvilles, squats et autres: montrer ce qui est caché. Un tableau lui exige une centaine d'heures qu'elle pratique grâce à un emploi saisonnier. Mais c'est coûteux et difficile de réseauter afin de trouver des endroits où exposer. Néanmoins, elle a été récipiendaire de prix et de bourses et elle a participé à de nombreuses expositions depuis ses quinze ans. Cela lui permet de récolter des critiques constructives.

La tridimensionalité de ces sculptures est palpable. Celle de la femme lui ressemble presque. Expression d'un couple figé pour l'éternité. Regards sobres et sérieux... de l'inquiétude? Un couple en crise? Cela évoque pour moi l'insoluble éphémère d'une crise qui s'installe dans un couple. Une crise peut être définie par la disparité des intérêts, des valeurs, des priorités, des niveaux d'éducation, d'aspirations, des consciences... par le rejet, la trahison, la jalousie, la projection, l'abandon de l'autre ou la seule crainte qu'il en soit ainsi qui fabrique essentiellement la scission familière afin qu'elle ne nous surprenne pas... Mais ceci pourrait être aussi, la différence acceptée entre deux personnes où la confiance permet au temps de faire les choses, de rester ouverts à toutes directions que la vie pourrait prendre et de ne pas être surpris que tout soit changement, constant et instable, si merveilleusement orchestré et immuable dans sa course...

VERMEER VAN DELFT, Johannes

2008-12-08T12:14:00.001-05:00

Johannes Vermeer Van Delft est né à Delft où il vécut jusqu'à sa mort en 1675. Il fut baptisé selon la religion protestante le 31 octobre 1632. Son père était tisseur de soie, maître marchand d'art et propriétaire d'un inn où il vendait probablement des toiles. À sa mort en 1652, Johannes hérita de son commerce. On présume, parce qu'aucun document ne corrobore ces faits, qu'il avait déjà choisi d'être peintre et qu'il avait suivi une formation auprès de Leonaert Bramer, un ami de sa famille, ou de Carel Fabritius, ou quelque part ailleurs à Utrecht ou Amsterdam. On sait qu'il a pu avoir l'influence de Gerard ter Borch II et Pieter de Hooch qu'il connaissait. Il prît une épouse de famille catholique en 1653 et se convertît pour satisfaire aux exigences de sa belle-mère. Ils vécurent dans la maison matriarcale, et nommèrent leur première fille Maria comme elle. Ses premières toiles tendaient vers la peinture d'histoire, mais bientôt, il révéla son style avec des paysages, des scènes de genres, et des allégories. Son héritage artistique consiste en 35 toiles qui demeurèrent longtemps méconnues hors de Delft. À sa mort, il laissa sa femme Catharina et ses onze enfants dans les dettes, en partie à cause du contexte économique et de mauvaises affaires.

Fenêtre ouverte sur le monde, cette silhouette, visiblement enceinte, me rappelle ma mère, lorsqu'elle portait ma soeur. Ma mère avait un chemisier semblable à manches trois-quarts qu'elle portait régulièrement. Je me rappelles m'être vaguement inquiètée parce que je ne distinguais plus son buste sous cette chemise... Elle me racontait tout le temps qu'il y avait un bébé dans son ventre. C'est après la venue de ma soeur qu'elle devint super efficace, régulière, disciplinée, scandant le temps avec des gestes imperturbables: faire le ménage, faire à manger, s'habiller, aller travailler, les couches, les siestes, le lavage, recevoir les amis, la famille... et se partager entre son mari et ses deux enfants. Sa réussite était de maintenir apparemment toutes ces balles dans les airs à la fois... et elle carburait aux éloges sur son adresse... Avec le temps, c'est devenu compulsif et un rituel rassurant... j'imagine. Ces souvenirs sont loin de ce sentiment d'anticipation et de compréhension lorsqu'on lit des nouvelles d'un ami cher à la lumière du jour. Cela n'a pas été un geste que je l'ai vu faire souvent. Pas de temps pour les amis.

Dans cet ère où les maisons étaient sombres, les rayons de soleil qui pénétraient apportaient un effet dramatique, relevant le moindre détail délicat - tout ce qui jouissait de lumière indirecte demeurait en demi-teinte. Je me rappelle avoir déjà été séduite devant le spectacle de poussières suspendues dans l'air, devenus visibles par une petite raie de lumière matinale qui passait dans le jour de la fenêtre dont le rideau était encore fermé. Glorieuse lumière.

VERLATO, Nicola

2008-12-08T12:05:00.001-05:00

Nicola Verlato est né à Vérona en Italie en 1965. Il vit et travaille à Brooklyn, New York. En 1980-1984, il a fait le conservatoire de musique étudiant le luth (instrument à cordes) et la composition. En 1985-90, il a fréquenté l'Institut d'architecture de Venise. Depuis, il a à son actif de nombreuses expositions solo et collectives à Berlin, Milan, Prague, Venice, New York et Los Angeles, et fait normalement partie des projets du curateur Luca Beatrice. Ses toiles dépeignent un monde en grand dérangement poussé par des forces destructrices et chaotiques qui secouent les protagonistes et les emportent. Cela égalise drastiquement les prétentions de chacun, nivellant de manière inattendue le monde, traité avec une étrange beauté et un nouveau sens esthétique qui n'est pas sans humour.

La Tornade a été le surnom de ma fille, à quatre ans, parce qu'elle déstabilisait grandement l'univers ordonné de la maison de mes parents lors de nos visites. En fait, elle était une enfant animée, mais plutôt réfléchie. Bien sûr, elle remarquait tous les petits objets, et en faisait une collection sous son lit, à notre insu - dont les clefs de la voiture de mon père que l'on a longtemps crû perdues - provoquant désordre et chaos sur son passage. La main plus leste que nos yeux, elle engouffrait facilement les fausses dents de ma mère dans sa bouche. Elle posait beaucoup de questions embarrassantes, sans filtre, parce qu'elle était... éveillée. Mais elle n'était aucunement hyperactive. Quelque chose de similaire ici m'a frappé. Il y a une tornade mais il y a aussi une sorte d'immobilité extrême, ne serait-ce que dans l'ordonnancement des arbres et des divisions territoriales... Pas de désespoir, malgré (ou grâce à) une prise solide à une racine... fragile! Malgré la proximité de la tornade, le chapeau et le i-pod ne sont pas très loin et il n'y a pas de désordre au sol... La tornade provoque seulement une mise à nu...

VAUBOURGOUIN, Thierry

2008-12-08T11:58:00.001-05:00

Thierry Baubourgouin est né le 8 février 1944 à Paris de parents musiciens. Il dessine et peint depuis sa plus tendre enfance. Il présente sa première exposition à l'âge de 10 ans qui étonne et intéresse les critiques! Trois ans plus tard, il remet cela avec le même succès!! En 1960, il fait son entrée à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris et dans l'atelier de Maurice Brianchon. De1968 à 1971, il devient pensionnaire de la Villa Medicis. Et entretemps, il a gagné maints prix et reconnaissances. Aujourd'hui, il travaille à partir de son atelier de Boisset, en France une peinture allégorique, riche en humour....

Lapinturalo - ici le lapin, la patte trempée dans l'encre, est l'artiste assis devant son oeuvre. Tout le monde peut distribuer de la peinture sur une toile. À quoi attribue-t-on la valeur d'une oeuvre? ... Mystère étonnant parfois selon que l'on considère la valeur monétaire, la valeur sentimentale, la valeur compétitive, la valeur représentative, symbolique, réaliste... Il vaudrait mieux parler lapins. J'ai plein d'anecdotes qui me viennent à l'idée sur les lapins... dont certaines touchantes... Je connais des amis qui colligent les lapins... d'autres qui les élèvent... d'autres qui les photographient... Mais c'est pour ce clin d'oeil discret et narquois que j'ai choisi cette toile...

VARLEY, Frederic Horsman

2008-12-08T11:49:00.001-05:00

Frederick Horsman Varley est né le 2 janvier 1881 à Sheffield en Angleterre. À onze ans, il fréquente la Sheffield School of Art en Angleterre, et début vingtaine, il étudie à l'Académie Royale des Beaux-Arts d'Antwerp. En 1912, comme Arthur Lismer l'avait fait avant lui, il émigre au Canada où il travaille comme dessinateur publicitaire à Toronto. En 1914, il rencontre ceux qui, avec lui, formeront le Groupe des sept et peignent dans le Parc Algonquin. Entre 1918- 20, il fait son service dans l'armée canadienne en France et en Angleterre et peint des tableaux émouvants sur la guerre. En 1926, il déménage à Vancouver et enseigne à la nouvelle Vancouver School of Decorative and Applied Arts. La Grande dépression de 1936 l'affectant grandement, il quitte pour Ottawa, puis pour Montréal, avant de retrouver Toronto en 1944. Il aura aussi voyagé en Articque (1938) et en Russie (1954). Entrevoyant la peinture en tant que vocation spirituelle, il fut principalement peintre paysager et de portrait, et s'est aussi beaucoup intéressé aux philosophies de l'Orient et à la peinture chinoise. Il est mort à Unionville en Ontario le 8 septembre 1969.

Sobriété, dignité et une touche de désenchantement: la ménopause. Cette femme dans la force de l'âge est dans ce tournant de la vie où les chairs commencent à épaissir, perdre de leur souplesse - mais c'est aussi ce qui donne une certaine allure d'expérience et d'autorité à son aura. Les joues rouges pourraient trahir des chaleurs importunes. Hormis son visage et les fleurs piquées sur son étole, la couleur du feu émane strictement d'elle et équilibre le portrait. La gradation du vert au bleu au noir pourrait accentuer cette allusion de la force de la vie, lentement engloutie en de sombres pensées à la proximité encore distancée de la grande faucheuse. Sa beauté intérieure transparaît à son propre insu. Plus facile à percevoir d'autrui que de soi-même...

VAN GOGH, Vincent

2008-12-08T11:29:00.002-05:00

Vincent Van Gogh. Il naît en 1853 à Groot-Zundert, un petit village de la Hollande. Début vingtaine, il travaille pour son oncle qui est associé dans une entreprise de ventes de tableaux d'art sur le marché international, la Goupil & Cie, et voyage à LaHaye, Londres, Paris, lui donnant l'opportunité de voir tous les grands maîtres. Mais peu motivé à la vente, il est éventuellement licencié. En 1876, il revient chez ses parents. Il s'intéresse un temps à la théologie comme son père, mais cela ne le satisfait pas. La famille tente de lui imposer de devenir prédicateur. Au contact de la misère humaine dans une mission évangéliste en 1879, il vit une métamorphose: il désire transformer la condition des plus humbles par la création artistique. En 1880, il entreprend une formation plutôt désordonnée, qu'il a tôt fait d'abandonner pour des recherches plus autodidactes. Rejoignant son frère à Paris, il dessine les grands maîtres, court tous les musées et expositions. Il fait de nombreux croquis et peintures de scènes de la vie paysanne. Rencontre Pissaro, Gauguin et s'inspire d'un nouveau mouvement artistique: le néo-impressionnisme basé sur le pointillisme. En 1888, il se rend à Arles en Provence où tout l'émerveille. Il entre dans une production frénétique jusqu'à l'arrivée de Gauguin à l'automne dont la présence, la rivalité artistique le rend paranoïaque. Il est interné quelques mois plus tard sans avoir droit à ses toiles. C'est en acceptant son transfert à l'hôpital psychiatrique qu'il plongera pleinement dans sa propre folie. Il produira 150 toiles au cours de cette période dont de nombreux chef-d'oeuvre. À sa sortie de l'hôpital, il est confié aux bons soins du Docteur Gachet, collectionneur et ami de nombreux peintres impressionnistes.Il produira 70 tableaux en deux mois! Le 27 juillet 1890, il se suicidera d'un coup de revolver dans le champ qu'il avait peint la veille. Théo, son frère, confident et unique héritier, sombre à son tour dans la folie deux mois après la mort de Vincent. C'est la femme de Théo qui assura le partage des oeuvres de Vincent au public.

Les Tournesols. À mes dix-huit ans, qui furent pour moi, synonyme de retirer les chaînes invisibles qui m'avaient gardé prisonnière au sein de ma propre famille, un ami m'a remis une grande reproduction des tournesols de Vincent Van Gogh. Ce cadeau précieusement préservé pendant des années sous vitre a longtemps symbolisé la difficile réappropriation de mon identité, et un lien indéniable à l'art. L'année dernière, ce même ami, a dit tout bonnement au milieu d'une conversation que j'avais toujours combattu ma nature artistique. Il ne manque pas de coïncidence entre le fait que je sois beaucoup plus en paix avec moi-même et le monde, et que l'art se soit immiscer une place plus importante dans ma vie. Merci ami.

VAN DIJK, Floris Claesz

2008-12-08T11:24:00.001-05:00

Floris Claesz Van Dijck est né à Deft en Hollande en 1575. Il vécut quelques années à Haarlem où il s'engagea dans sa vie d'artiste en 1604. Après son apprentissage, il séjourna en Italie. Il était un peintre qui se spécialisait dans les cuisines et les natures mortes de fruits, de plantes et de fleurs. Bien qu'il ne peignît presque plus dans les dernières vingt-cinq années de sa vie, peut-être parce qu'étant devenu fortuné, il en ressentait plus la nécessité, il demeurea un homme important au sein de l'association des artistes de Haarlem. Il mourût en 1651.

Des fruits, des noix, des olives, du pain et du fromage... Tout pour être rassasié. Bien que notre table ne prenait jamais une allure aussi somptueuse, cela fut régulièrement le menu que nous partagions dans ma famille quand nous n'avions pas le temps d'un repas assis ou pour emporter dans nos pique-niques... La lumière et l'ombre dramatique de cette toile, le fin détail de la broderie, de la porcelaine en font un centre de pièce d'une richesse incroyable.

VALLOTON, Félix

2008-12-08T11:10:00.001-05:00

Félix Valloton est né le 28 décembre 1865 à Lausanne en Suisse au sein d'une famille bien nantie de la classe moyenne. À 17 ans, il se rend à Paris pour entrer à l'Académie Julien. Dix ans plus tard, il est membre du Groupe des nabis qui lui permet d'entrer en contact avec l'avant-garde artistique et littéraire parisienne et suisse. D'abord intéressé par le portrait, il aborda les scènes intérieures avec de petits coups de pinceau précis, soigneux des détails et bien léchés - précurseur du mouvement de la nouvelle objectivité des années '20. En 1897, il découvrit la gravure sur bois et se tailla une excellente réputation de graphiste. En 1899, il fit un mariage fortuné avec une française de bonne famille ce qui lui valu en 1900 d'obtenir la citoyenneté française. Il fit son entrée en Suisse en tant qu'artiste en 1910. En 1913, il visita la Russie. Au cours de la première guerre mondiale, il fit une série contre la guerre qui fit du bruit. Par la suite, sa carrière connut du déclin. Outre avoir excellé en tant que peintre, illustrateur et graveur sur bois, il a écrit trois nouvelles et un récit illustré autobiographique. Il mourut à Paris le 29 décembre 1925.

Plusieurs choses me frappent dans ce portrait. La modernité. Hormis le chignon de la dame, rien nous reporte au début du siècle dans cette image. La nudité sans fard. Menton gras, petits seins plats et tombants, ventre mou - mais silhouette en santé et féminine malgré tout. Pas une position reposante donc, les joues rouges pourraient traduire un inconfort. La posture ajouté à une gêne devant sa propre nudité? La nature est en question dans cet espace dénué de vie. On voit la nature dans le portrait au mur dont on devine mal les contours et dans ce corps nu, visiblement mal à l'aise. Le siège rouge commande notre attention. Et le vert du mur nous leurre à croire le tout naturel... Une critique de la modernité? Je n'arrive pas à percevoir ceci comme un moment tendre... mais plutôt comme une agression silencieuse...

TYMUSZ, Halina

2008-12-08T10:43:00.001-05:00

Halina Tymusz vit et travaille dans la ville de Tychy en Pologne. Détentrice d'une maîtrise en Beaux-Arts à l'Académie de Katowice. Elle enseigne à la Société pour les arts visuels de Katowice. Elle expose depuis une vingtaine d'années en Pologne, mais aussi en Allemagne, en Hollande, en Angleterre et aux États-Unis. Ses oeuvres font partie de collections privées dans de nombreux pays. Elle a reçu plusieurs prix et distinctions pour son travail. Son art paraît sur les pochettes de l'artiste Basia.

Les chats et le petit roi. Drôle d'idée, je vois ici mon petit-fils. Il n'a pas été conçu encore, mais il viendra à moi. Et pour son malheur, il sera adoré... comme un petit roi. L'idée de ma descendance a commencé à germer il y a quelques temps déjà... Ce n'est pas une urgence... plutôt comme une suite naturelle des choses. Je conçois le plaisir que me procurera la liberté d'aimer sans la responsabilité quotidienne... Je pourrai alors alléger le poids du quotidien sur les épaules de ma fille en contribuant parcimonieusement à ses tâches et goûterai à nouveau aux joies de la découverte par les yeux d'un enfant... Mais, je n'ai aucune autre notion de ce que cela sera, car la vie tend à nous surprendre, à nous donner plus que l'on espérait et aussi parfois, nous dérober plus que l'on souhaiterais. Mais ce petit germe est semé et croît tout doucement...

TRUDEL, Gérald

2008-12-08T10:16:00.001-05:00

Gérald Trudel est né en 1946. Sa jeunesse, il la passe à Laval, au nord de Montréal, Québec, région encore sauvage, près de la rivière des Mille-Îles où il peut apprécier la faune. Il devient graphiste. Lorsqu'il s'installe dans les Laurentides, autodidacte, il ressent le besoin de coucher la faune sur papier et c'est avec passion lors de ses promenades en forêt qu'il les étudie, les photographie et les dessine. Mû d'une passion véritable, il apprivoise tous les animaux qu'il côtoie. De retour près de la rivière de son enfance à la hauteur de Ste-Rose, il crée son atelier de peinture et peut dès lors s'y adonner à temps plein. Il s'est taillé une place parmi les grands peintres animaliers du Québec. Il entretient des liens avec le peintre américain Rod Lawrence du Michigan qui lui permet de diffuser aux États-Unis. Ses tableaux figurent parmi plusieurs collections privées en province et en Europe. Il a été invité en tant qu'invité d'honneur dans maints symposiums, à titre d'artiste et de conférencier, de même qu'il fût invité à exposer à Paris et Barcelone. Il est le détenteur de plusieurs prix et est régulièrement invité à titre de conférencier.

Le frère d'une amie faisait l'élevage des Huskies pour la garde. Un jour, il arriva avec son chien en laisse dans la chambre de ma copine où nous regardions des photos toutes deux assises sur son lit. Pendant que nous nous saluons, attirée par la beauté du pelage et des yeux de l'animal, je tendis la main pour lui gratter les oreilles. En l'espace d'une seconde, j'ai vu mon visage dans sa gueule toute grande ouverte, sentie son haleine et grâce aux réflexes du maître, vu l'animal reculer de six pieds, étouffé par la chaîne étrangleur qu'il portait au cou pour le dressage. Sans le réflexe du frère de ma copine, je n'aurais plus de visage... Traumatisée, pendant des années, j'ai tremblé aux moindres aboiements de chien. Bien qu'ils ont tentés de me démontrer que ces bêtes étaient très amicales, je ne suis plus allée souvent chez ma copine, à moins qu'expressément, sachant que je devais visiter, son frère retire tous ses chiens de la cour et qu'ils soient sous clef dans un enclos qui leur était réservé. Élevés pour la garde, leur intégrité physique ne pouvait être transgressée... la naïveté n'est pas nécéssairement reconnue comme innocente... Quelques années plus tard, ma copine s'est mis en ménage avec un mec qui avait un cheptel de Dobermans. J'ai crû qu'elle préférait ne plus avoir mes visites...

TOSHIO, Saeki "SHUNKO"

2008-12-08T10:09:00.001-05:00

Saeki Shunko est né en 1909. Il déménagea dans la capitale de Tokyo en 1924 et étudia sous Tsukuhara Reizan. Il se spécialisa dans le design de tissus textiles. Il fut employé par Shirokiya, un magasin de grande surface où ses designs furent remarqués pour leur innovation et modernisme. Détenteur de nombreux prix de design, en 1929, il fait la connaissance du peintre Ito Shinsui qui l'encouragea à peindre. Il se joignit à son groupe de travail formé de ses étudiants. En 1936, deux de ses toiles sont acceptées pour l'Exposition d'art Impériale, et continua avec les expositions nationales Shin-Bunten. Après la guerre, la plupart de ses tableaux furent acquis par le Musée Meguro Gajoen. Cette pièce particulière fut acquise par Kagedo en 2003. On y voit une femme à la mode se vêtant pour sortir. Elle n'est plus la jeune beauté d'autrefois, avec sa pleine figure, mais elle présente une certaine prestance et son regard tend vers son sac à main rouge et un autre obi ou ceinture de kimono.

Ce tableau de 1935 est d'une actualité renversante et semble beaucoup plus récent. Pour mes cinq ans, j'ai reçu des poupées japonaises en bois. Elles étaient délicates avec de grands chapeaux, deux traits noirs en guise d'yeux bridés et des vêtements de soie tissés de fil d'or dotés de obis. Il m'était mortellement défendu de les manipuler. Elles devaient être une parure luxueuse sur mon bureau à tiroirs. Tous les jours, je les approchais religieusement en retenant mon souffle en avançant ma main avec une grande délicatesse de peur de les écraser. Ma mère avait tellement bien ancré la peur de les briser que malgré moi je me retenais de les manipuler. Mais je ne pouvais m'empêcher de les admirer chaque jour. Un jour une petite fille dont la mère était pauvre et malade vint passer quelques heures chez nous. La première chose qu'elle fît une fois dans ma chambre fut de prendre les poupées. En deux secondes, elle déchira la soie sur l'une d'elle. Je fis l'impensable. Je lui rentrai mes griffes en plein visage sans colère et refusa de lâcher prise. Ma mère me punit pour avoir attaquer et blesser la petite fille et lorsque je lui fis remarquer qu'elle avait brisé la poupée, elle me répondit: «Ce n'est pas grave.» Clairement, je ne lui ai jamais pardonné cette inconséquence. Alors même que cette toile fait resurgir ce souvenir, ce qui est étrange c'est combien le sujet même de cette toile ne semble rien à voir en soi... Alors, pourquoi cette toile plutôt qu'une autre? Le geste de nouer le obi comporte un rituel, qui comme la préparation rituelle du thé est composé de gestes mesurés et dédiés... Si la fraîcheur de l'âge se perd, la dignité de cette gestuelle experte reflète une beauté mature. Il lui reste au moins cela. Ce jour-là, je savais que ma mère avait fauté de manière plus grave que moi. J'aimerais penser que c'est en silence, à gestes mesurés que je me comportai. Mais j'eû plutôt une crise de colère et de larmes à faire trembler la terre qui dura des heures. Je trouvai le silence par épuisement, en hoquetant jusque dans un sommeil troublé, inconsolable. So much pour la dignité.

THOMSON, Tom

2008-12-08T09:55:00.001-05:00

Tom Thomson est né le 5 août 1877 à Claremont en Ontario, Canada. Thon Thomson travaille en 1905 chez les photograveurs Legg Brothers de Toronto. Il est possible qu'à la même époque il suive des cours du soir au Central Ontario School of Art and Design auprès de William Cruikshank. Deux ans plus tard, on le retrouve à l'emploi à titre d'artiste commercial pour l'Agence de publicité Grip Ltd. Il y fera la rencontre de J.E.H. MacDonald, Arthur Lismer et Fred Varley du futur Groupe des Sept. En 1911, il va découvrir le parc Algonquin. En 1912, il fera la rencontre de son mécène, le Dr. James McCallum. Cela lui permet de travailler comme guide de pêche et garde forestier au Parc Algonquin tout en se consacrant régulièrement à sa peinture à partir de 1913. Grand amateur de la vie en forêt, il peint de nombreuses études du parc Algonquin et du nord de l'Ontario. Il les retranscrira grand format dans son atelier de Toronto. Vers la fin de 1915, sa peinture est basé principalement sur son imagination cherchant souvent des traits naturels pour ses idées et peint de mémoire des paysages. Il est mort noyé dans un mystérieux accident de canotage au Lac Canoe dans le parc Algonquin en Ontario le 8 juillet 1917. Il aura travaillé à sa carrière pour une période brève de cinq ans qui eût une incidence déterminante pour l'évolution de la peinture canadienne.

Même à grands traits, cette scène ressemble à certaines soirées d'été, où j'ai eu le privilège de me trouver en canot sur un lac du Québec. Et cela semble tenir à peu de chose, de grands traits larges qui par leur déclinaison font toute la lumière d'un soleil qui se couche et des ténèbres qui gagnent les cieux. Ces soirées merveilleuses aux eaux calmes, aux bruits décroissants, après l'abreuvement des animaux... à quelques minutes d'un ciel étoilé et d'un feu chaleureux au camp...

THÉBERGE, Claude

2008-12-08T09:37:00.001-05:00

Claude Théberge est né à Edmundston au Nouveau-Brunswick en 1934. Il a vécu son enfance et sa jeunesse dans le Bas Saint-Laurent dans la région de Témiscouata. Des mécènes de sa région lui ont permis de suivre une formation en arts plastiques en France après ses études à l'École des Beaux-Arts de Québec. Ceci le lança dans une carrière de réputation internationale. Il exposa à Paris, Londres, Berlin, Copenhague, Madrid et Santillana, Moscou et Saint-Petersbourg, New York et Chicago, Vancouver, Toronto, Montréal et Québec. Investissant des efforts pour intégrer l'art dans l'environnement, il a contribué à de nombreuses oeuvres publiques à la grandeur du Québec tels murales, vitraux et sculptures. Le 16 mai 2008, il s'est éteint à Montréal des suites d'une longue maladie. Il avait 73 ans.

Des oies qui survolent un lac avec des montagnes aux couleurs d'automne inondées des derniers rayons chauds de l'automne... c'est là une vision bien symbolique de notre beau pays. Des parapluies perlés d'une belle onde... c'est là une symbolique propre à l'artiste, un sceau, une empreinte qui lui est propre. Mais cette allure de dessin 3 D... étonnant. Cela me ramène à mes jeunes années où mes parents suite à une visite à l'Expo '67 ont ramenés un ViewMaster en cadeau. À chaque nouveau grand déplacement, on recevait de nouvelles roulettes d'images 3D... même sensation de profondeur et de mouvement fixe pour l'éternité...

TAYLOR, Josephine

2008-12-08T09:25:00.001-05:00

Joséphine Taylor est né à Phoenix en Arizona en 1977. Elle a étudié la religion et les langues hindous à l'Université du Colorado (Baccalauréat 1998) avant de poursuivre ses études aux Beaux-Arts de la San Francisco Art Insitute (Maîtrise 2003). Elle aime créer de grands dessins narratifs sans cadre à l'encre diluée. Réminescences de l'enfance et de l'adolescence sont ses sujets favoris. Bien que ce soit un sujet hautement intime et personnel rendu avec une tendre fragilité, elle ne laisse que peu de traces généralement de l'intimité. Ci-dessous, elle partage une vision apocalyptique d'un monde où les gens doivent vivre en clan, survivre primitivement dans un dépotoir toxique et partager leur vie avec les animaux qu'ils soient menace, ressource ou compagnons. Ce travail explore la sensualité primale. Ses travaux figurent dans maintes collections permanentes. Elle vit et travaille à San Francisco.

Un sentiment de danger, mais par dessus tout, une volonté de survivre, par la feinte, avant d'en venir au bras-le-corps, avec ce qui pourrait rester de civisme. Dans mes jeux d'enfants, je recréais de ces scènes où on revenait aux simples éléments, plus près de la meute que de la communauté, face à face avec les éléments, la nature et autrui. Il me fallait trouver une place pour laisser libre les énergies des grognements, de la protection hyper-vigilante, de l'ingéniosité spontanée de la défense afin d'échapper à tous prix au danger. Ces mises en situation permettaient de mieux connaître ces forces souterraines de nos émotions qui n'ont de place adéquate en société...

TASHI, Tsewang

2008-12-08T00:47:00.001-05:00

Tsewang Tashi est né en 1963 à Lhasa. En 1984, Il a gradué du département des Beaux-Arts de la Central University for National Minorities de Beijing. Il a complété une maîtrise en Art de la National College of Art and Design en Norvège. Il est présentement professeur associé au département des Arts de l'Université du Tibet. Ses travaux ont été exposés dans les galeries et musées internationaux et a publié des travaux sur l'enseignement des arts tibétains et sur la peinture. C'est la vie contemporaine des gens et des lieux qui est sa source d'inspiration. Il omet certains éléments qui pourraient perpétuer la notion du Tibet en tant que Shangri-la - paradis utopique sur terre - et croit que l'art contemporain ne peut être créé si on ne montre pas la vie telle qu'elle est. Il évite la nouveauté, les innovations, les inventions sorties de l'imaginaire, de même qu'il ne tente absolument pas de rencontrer les attentes de ceux qui cherchent à être sauvés par toute évocation de son pays, de son peuple. Son peuple, au même titre que n'importe quel autre peuple, vit des émotions et porte des pensées qui font d'eux de simples être humains.

Les couleurs vivides de cette toile me fait penser à Tintin. Tintin au Tibet. Ceci est le pays en toile de fond, d'une aventure qui m'a bouleversée, enfant. Ce que j'aimais de Tintin, c'était ces références géopolitiques et historiques, l'absence de frontières, qui faisait que bien que je lisais une bande dessinée, j'étais introduite à des sujets sérieux, des sujets d'adultes. Les propos de cette série ne m'infantilisait pas. La sexualité et l'amour, en tant que sujets, étaient curieusement absents des récits, hormis quelques heureux mariages, ou des pique-niques de grandes familles... alors qu'au quotidien, ce sujet faisait marcher tout le monde sur les oeufs autour des enfants... alors que ce sujet ne nous concernait pas du tout nous, les enfants... L'emphase était sur ce qui nous faisait réfléchir et fantasmer sur ce monde où nous devrions un jour à notre tour nous montrer responsable. Autrement, dénudé, semble être un lieu parfait pour que les pensées ne s'accrochent que sur du vide... mais ceci est une illusion... car c'est la volonté de tous ceux qui désirent faire le vide qui crée une atmosphère réceptive à la méditation...

SUWA, Atsushi

2008-12-08T00:26:00.001-05:00

Atsushi Suwa est né le 18 septembre 1967 à Hokkaido. Il a obtenu sa maîtrise de la Musahino Art University en 1992. Grâce à un programme d'échange pour artiste organisé par l'agence des affaires cultuelles, il a passé deux ans à Madrid ce qui lui apporta une reconnaissance internationale en tant qu'artiste. Depuis son retour au Japon, il explore la forme réaliste afin de retrouver l'essence de la peinture. En 2000, il a fait une étude profonde des artistes de Butoh Kazuo Ohno et Yoshito Ohno. Ceci l'a persuadé d'établir des contacts étroits avec tous ceux qu'il étudie afin de lui permettre d'aussi visualiser et transposer sur ses toiles leur cheminement de vie et leur philosophie. Il s'attarde ainsi à relater avec son art la vie d'une poignée d'individus. Avec cette innovation introspective concernant ses sujets, il s'est défini comme un des meneurs de la peinture figurative contemporaine.

Ces mains, détail d'un portrait d'un artiste fort connu au Japon au seuil de la mort, me rappelle les mains de mes grand-mères, elles-mêmes au seuil de la mort. Cette qualité de la peau qui devient mince comme du papier, des taches brunes et de la transparence qui montre les veines et artères bleutées poindre sous la surface... Il semble inimaginable que cette peau joufflue du bébé, que la peau satinée d'une jeune femme, que ce cuir tanné des travailleurs puisse devenir d'une fragilité si friable... et pourtant notre peau rencontre ce processus lorsqu'on se rend dans ces âges avancés... Et quoiqu'on ai pu faire, qui que nous ayons pu être, on devient aussi vulnérables les uns que les autres. «...car tu es poussière et tu retourneras à la poussière.»

SUGHI, Alberto

2008-12-08T00:13:00.001-05:00

Alberto Sughi est né le 5 octobre 1928 à Cesena en Italie. Peintre autodidacte, il est devenu un des plus grands peintres de sa génération. Il a débuté la peinture au début de la vingtaine. Bien qu'ayant choisi le réalisme comme approche picturale, c'est le quotidien dénué de toute moralisation, sans héros, qui est son sujet principal, d'où l'appellation de réalisme existentialiste que l'on attribue à son travail. Il a abordé différents thèmes de manière cyclique au cours de sa carrière: entre 1971-73 - l'homme et la nature; entre 1975-76 - le souper; début des années '80 - imagination et mémoires de la famille; et à partir de 1985 - soirée ou réflexion; depuis 2000 - nocturne. Parmi tous les prix et honneurs reçus en cours de carrière, la ville de Rome l'a honoré par une rétrospective au prestigieux Museum of Complesso del Vittoriano.

J'aime l'allégorie de cette toile... L'homme avec un chien en périphérie. Plusieurs chiens apparaissent dans cette toile, plusieurs attitudes d'un même chien, ou encore, toutes ces attitudes sont-elles réminescentes de tout ce que l'homme sait des chiens... Peu importe, il y a quelque chose d'intime, de surnaturel et de très concret à la fois dans ce rapport de l'homme au chien. Un face-à-face entre natures différentes bien qu'il semble y avoir une nivellation pour maintenir ce rapport paisible. L'homme semble en conversation plutôt qu'en dominance, bien que sa position soit au-dessus de l'animal et que l'animal ait les oreilles désarmées comme dans la terreur et la soumission... Rien de lâche à propos de cet animal dont les élans sanguinaires semblent apparaître en filigrane... Et pour être dans cette conversation, l'homme doit s'identifier à un chien qui lui aussi a les oreilles désarmées... un code sans lequel l'animal l'attaquerait probablement pour lui déchirer les jugulaires... Fascinant.

STUPAR, Marko

2008-12-08T00:04:00.001-05:00

Marko Stupar est né en 1936 en Yougoslavie. Il a complété ses études aux Beaux-Arts de Belgrade avant de choisir la France comme terre d'adoption en 1964. Son art est complètement intégré à l'École de Paris. Il a participé assidûment aux salons français et ses oeuvres sont diffusées en France et aux État-Unis. Il possède une touche chaleureuse, impressionniste et intimiste qui saisit le propre de certaines atmosphères.

Préparatifs d'une salle à manger. J'ai déjà travaillé pour des restaurants quatre étoiles. Les préparatifs de la salle à manger sont stratégiques, et selon les chefs, sont faits selon une discipline et un ordre rigoureux. L'effet visuel qui se présente au client dans l'aire de réception est le coup d'envoi de l'appétit. L'accueil chaleureux, poli et respectueux, l'expertise, la présence à peine sentie mais l'intervention immédiate prévenant les désirs des invités, le rythme du service en écho au rythme propre aux invités, l'exactitude des commandes et des cuissons, la présentation impeccable sont autant d'aspects qui font le mérite et la popularité d'une salle... Tout doit être discrètement accessible, propre et prêt à l'usage. Ici, on sent la fébrilité tranquille de ces préparatifs soignés...

STOTT, Christopher

2008-12-07T23:57:00.002-05:00

Christopher Stott est un canadien né à la fin des années '70. Il travaille à Saskatoon en Saskatchewan où il vit avec sa petite famille. Son intérêt pour l'art a commencé très tôt dans la vie, et c'est naturellement que cela l'a mené à suivre des cours d'art et d'histoire de l'art. En 2003, il terminait son baccalauréat en Beaux-Arts avec les plus hauts honneurs. L'exposition de ses oeuvres à l'Université de Saskatchewan a immédiatement lancé la pratique prolifique de sa carrière. Il peint des objets universellement familiers, avec une approche esthétique bien équilibrée, neutre, lumineuse, leur donnant une allure éternelle dans le temps, icônes des années '50 et '60 qui transitent encore dans notre quotidien, dans notre culture. Livres, chaises, tasses, cuillères, bagages, horloges, éventails de table, téléphones, dactylos, souliers, bonbons... Ses travaux font partie de collections aux États-Unis, en Europe et au Canada depuis quelques années déjà!

Trois tasses. Cela me rappelle la fin des repas à ce petit snack bar où ma mère prenait ses dîners ses jours de travail. Elle prenait invariablement un sandwich aux oeufs vinaigrés avec mayonnaise, oignons sur toast et un café. Parce qu'elle était régulière, venaient s'agglutiner autour d'elle d'autres habitués pour jaser le temps de son repas. Si je me présentais à cet endroit pour lui parler, inévitablement ces inconnus prenaient sans gêne ouvertement part à nos conversations. Cela devenait inévitablement des leçons de savoir-vivre et de tolérance, sans compter les moments d'humiliation totale face au manque d'intimité ou de discrétion que leur présence imposait. À la fin du repas, chacun se levait, et ne restaient que leurs tasses et le pourboire sur le comptoir, souvent preuve unique que ce snack bar était fréquenté...

STORIE, José

2008-12-07T23:47:00.001-05:00

Jose Storie est né à Bruges en 1899. Il suit les cours de Flo (Florimond) Aerts et de Flori (Florimond) Van Acker à l'Académie de Bruges et en cours privés, des leçons du sculpteur anglais Sir Alfred Gilbert. Ensuite, il fréquente l'Académie des Beaux-Arts de Bruxelles pendant quatres ans sous l'égide de Jean Delville et d'Herman Richir. À 23 ans, il part pour Paris travailler à l'atelier de Lucien Simon et se perfectionner à l'École Nationale des Beaux-Arts. Il excelle dans le portrait féminin, le rendu des étoffes, mais il est aussi peintre de genre et de fleurs. Au contact des oeuvres de Velasquez, de Manet et des impressionnistes, son pinceau a acquéri un plus grande liberté... De retour à Bruges, il ouvre un atelier libre de peinture, co-fonde le Cercle d'Art Contemporain (Hedendaagsche Kunst), et est membre du Cercle d'Art de la Flandre Occidentale (Westvlaamse Kunstkring). Il est décédé en 1961. Dès lors, son atelier devint un Musée privé. De manière originale, il lui arrive de laisser ses initiales sur le pistil central d'une fleur.

Disposition élégante et chaleureuse. Peinte à grands gestes libres, cette scène intimiste d'un coin de maison est de toutes les époques, sans âge. Elle saisit un moment, bref, passager, éphémère, celui d'une floraison qui est le fruit d'une saison, d'une année et parfois de plusieurs années de pousse avant leur éclosion. Trop souvent l'affaire de quelques jours, d'une journée, de quelques heures, voir même de quelques minutes seulement dans leur glorieuse posture ferme, mature, affichant leur splendeur, exhumant leur parfum unique. Le plaisir des yeux et des sens par les fleurs... Mais aussi, un rappel constant de la valeur précieuse du temps qui passe...

ST-JACQUES, Claude

2008-12-07T23:41:00.001-05:00

Claude St-Jacques est née en 1952 à Montréal. Tout au long de sa jeunesse, elle a fréquenté les ateliers d'arts plastique de Louise Poliquin. Elle détient un baccalauréat en Enseignement des arts de l'Université du Québec. L'art pour elle est une quête de soi, des multiples facettes que l'âme en transit peut prendre. Ainsi, elle a le corps pour thème, siège de l'âme, fugace, polymorphe et en changement constant, qu'elle saisit par instant, le temps de le connaître.

Une belle robe. La belle robe. Celle qui nous rend irrésistible. Qui allume notre teint, nous donne le pouvoir de tentacules invisibles, saisissant l'attention des uns et des autres à distance. Celle qui glisse comme un gant sur notre corps trouvant des appuis juste là où il faut, révélant juste assez, laissant deviner juste assez. Mais au-delà, ce sont les couleurs d'ambre, de cuivre et de feu dans ce qui pourrait être la queue du vêtement d'une sirène enjôleuse... qui respire féminité, simplicité et passion... promesses faites aux petites filles... des effets désirables à provoquer... chez les hommes, mais peu, trop peu d'emphase sur leur propre contenu, sur les valeurs à incarner en tant qu'individu.

STEVENS, Eric K.

2008-12-07T23:35:00.001-05:00

Eric K. Stevens est né à Honolulu en 1970 où il a grandi entouré de beauté naturelle. La riche végétation, la luminosité, la culture de ces îles l'ont influencé profondément jusqu'à ce jour. Après une carrière en design graphique et en illustration, il tourna son attention vers la peinture alors qu'il vivait à Prague de 2003 à 2005. Intéressé à l'art paysager, il pu être témoin de différentes cultures et de différents reliefs de la nature européenne en voyageant. Depuis 2005, il est établi à Forth Worth au Texas. Peintre hautement réaliste, il approche dans ses toiles des détails complexes avec des compositions simples, classiques et modernes. Ces dernières toiles sont inspirés de paysages du sud-ouest américain, de l'Europe central et des îles Méditéranéennes sans en représenter aucune. Elles sont peintes dans une perspective distante, dans une palette discrète, avec un sens de vide. Mais souvent, il s'attarde à peindre de simples formes organiques telles les fleurs dans des couleurs vibrantes qui nous font sentir fortement leur attraction dans une proximité troublante.

Le glaïeul. La fleur qui donne de la joie à mes étés. Classique, élégante, festive et dramatique. Je ne manque pas de m'en prendre un bouquet quand c'est la saison à mon marché public à ciel ouvert favori. C'est une fleur dont les boutons s'ouvrent dans tous les sens, un après l'autre et qui peuvent survivre longtemps coupée... Je ne manques pas d'en planter en pots à défaut d'avoir de l'espace jardin à chaque année.

SPARACCIO, John Eric

2008-12-07T23:29:00.001-05:00

John Eric Sparaccio se considère peintre, auteur, motivateur-conférencier et sculpteur autodidacte bien qu'il ait fréquenté le Samuel S. Fleisher Art Memorial à Philadelphie et le Art Students League de New York. Après de dures années de désillusion et d'abus, la spiritualité a finalement primé dans la vie de cet artiste et l'a aidé à changer radicalement après maintes vaines tentatives. Dans son art, il se tourne vers l'immatériel et l'impalpable. Impressionniste, il est à la recherche de l'invisible, de l'énergie caractéristique de la vie. Il en a fait une technique qu'il enseigne. Le tableau figuratif ci-dessous date de 1974 et ne correspond pas du tout au style de ses oeuvres récentes qui sont plus près de l'écriture automatique.

Cette toile révèle pour moi un état très particulier de l'atmosphère: tout est calme dans l'oeil du cyclone. Pas de bruit, pas de vent. Le ciel semble ouvert et lumineux, mais est en fait encapsulé dans une coupole de nuages. L'orage gronde ailleurs... pour l'instant. On semble à la tombée de la nuit, mais nous sommes en plein jour. Ce sera un cataclysme épouvantable et soudain, mais pour l'instant rien ne bouge. Rien n'ose. La nature se tient à l'abri. La majesté de la nature et la fragilité de la vie se ressentent sous ces nuages. J'ai fait cette expérience quand j'étais jeune, de me trouver dans un champ quand le ciel s'est amoncelé au-dessu de ma tête sournoisement... de percevoir les oiseaux et les grillons se tairent soudainement. Et, bien qu'enfant, sentir une terreur me gagner, un sentiment surnaturel, une connaissance d'un danger approchant. Courir, courir, sans m'arrêter jusque chez moi, et être fouettée par les premières gouttes drues d'une pluie froide venue de nulle part - colère du ciel à mes trousses grondant et flashant - désirant retrouver ma mère pour me serrer contre elle, fondre en elle pour rendre l'expérience plus tolérable, afin de me rassurer que je la survivrai.

SOO, Mark

2008-12-07T23:04:00.001-05:00

Mark Soo est né à Singapour et a grandi en Malaisie. Il a gradué de l'Institut Emily Carr en 2001 après y avoir passé plus de cinq ans et mène une carrière internationale depuis, de Brisbane à New York. Son art est entièrement basé sur des idées pensées à différents niveaux afin de créer des événements et faire réfléchir sur la disparité économique, le contrôle social, la description touristique, les notions du sublîme, afin de décourager les injections de drogues dans les parcs, ou de reproduire des couchers de soleil... peu importe, ce qu'il fait est traversé de concepts et de pensée critique pour titiller nos sens!

Avec Tim Lee, Mark Soo a créé le livre Modern Optical Expériments en Typography dont toutes les pages sont blanches... sauf quatre, où on trouve les mots THINK, FAST, HIP, PIES dans la typographie Univers. Avec l'année 1968 en tête, une année très importante dans le mouvement Hippy, il font référence à quatre événements apparemment disparates.

J'ai choisi le symbole qui sied sur ce livre: des cercles concentriques de couleurs primaires, incluant les cercles noirs. Symbole idéal pour mon article Couleurs et choix primaires.

SMITH, Gordon

2008-12-07T22:54:00.001-05:00

Gordon Appelbe Smith est né à Hove dans le Sussex en Angleterre le 18 juin 1919. En 1933, il émigra à Winnipeg au Manitoba. Il fit son entrée à la Winnipeg School of Art en 1937, et l'anné suivante fit sa première exposition au sein de la Manitoba Society of Artists. L'infanterie l'eût dans ses rangs en Angleterre, en Écosse et en Sicile, mais il reçu sa décharge pour blessures sévères en 1944. De retour au Canada, il s'inscrit à la Vancouver School of Art et après sa graduation deux ans plus tard, il devint enseignant. En 1951, il voyagea afin de prendre des cours avancés de peinture à la California School of Fine Arts et il prit des cours d'été en histoire de l'art en 1957 à la Harvard University de Boston. Il a participé à de nombreuses expositions pancanadiennes et internationales au cours de son existence, ce qui lui valut l'ordre du Canada en 1996, et l'ordre de la Colombie-Brittanique en 2001 pour ses accomplissements. Il est un peintre abstrait canadien le plus en vue aujourd'hui.

Ce tableau abstrait ressemble à un vitrail. Ce tableau serait incroyable sous la forme d'un vitrail. Ce genre d'art abstrait où l'on reconnaît, où l'on peut profiler des formes reconnaissables, j'aime. J'aime ces formes qui les évoquent tout en décomposant la lumière pour les voir autrement, ces formes... Petite, je regardais autour de moi en plissant des yeux parfois ou, en regardant à travers un tissu, un chandail, une blouse, un rideau... Je pouvais détailler les formes mais les voir avec une nouvelle texture...

SMITH, Gary Ernest

2008-12-07T22:45:00.002-05:00

Gary Ernest Smith, peintre passionné, est né à Baker une communauté rurale de l'est de l'Oregon en 1942. Il a fréquenté la Eastern Oregon State College pour le baccalauréat et la Brigham Young University pour sa maîtrise en Beaux-Arts. Il a fait son service dans l'armée américaine en tant qu'illustrateur. Enseignant à la Brigham Young University, il fut aussi directeur de la galerie d'art pour trois sessions. Depuis 1972, il est artiste à temps plein. Lui et sa famille vivent dans la communauté artistique de Highland dans le Utah aux États-Unis. Réputé pour sa peinture de la vie rurale américaine du début du siècle à nos jours, il s'investit aussi dans la sculpture ces dernières années. Il trouve des sujets plus iconiques qu'esthétiques, aux formes claires et imposantes, demandant le moins de détails possibles. Les détails sont implicites, subtilement suggérés. Trois thèmes le touchent de près: les sujets ouvertement ou subtilement religieux, les paysages et l'évocation de la conquête de l'ouest. Ses tableaux figurent dans des collections privées, corporatives et universitaires, et dans des églises le long de la chaîne de montagnes Wasatch.

Le sang innocent qui les font pleurer... Cet homme vêtu de blanc, à la Elvis, fait penser au pasteur religieux qui joue le rôle d'animateur de foule, de grand prêtre, de prédicateur, d'orateur extraordinaire très près du showman... qui encense les foules, les influencent, les fait réfléchir, reçoit leurs dons et parfois en abusent. D'ailleurs, plusieurs de ces gourous de sectes ou de sections d'église ou de nouvelles religions ont parus sur la place publique pour leurs écarts de conduite, leurs moeurs déviantes, leurs contradictions avec les principes mêmes qu'ils prêchaient à leurs ouailles. Mai aussi, cet homme vêtu de blanc, peut représenter une victime de violence, toujours présumée innocente... Et cette scène, un théâtre où tout se joue. Sans être bien informé sur son contenu, cette image demeure provocante et titille notre imagination.

SINGER-SARGENT, John

2008-12-07T22:28:00.002-05:00

John Singer-Sargent est né à Florence le 12 janvier 1856. Son père était un médecin américain expatrié, originaire de Philadelphie. La famille voyagea régulièrement à travers l'Europe. Sa mère qui était peintre amateur encouragea son fils à dessiner et peindre. Malgré les nombreux déplacements et une formation sporadique, il ne cessa jamais de dessiner. À partir de douze ans, il commença à documenter les déplacements de sa famille, les visites aux musées, les différentes oeuvres des grands maîtres. En 1873, il s'inscrit à l'Académie des Beaux-Arts de Florence. En mai 1874, malgré le peu de formation formelle, il pu intégrer l'atelier du célèbre peintre Carolus-Duran à Paris. Devenu adulte, l'habitude de voyager persévéra en compagnie d'autres artistes amis tel Paul Helleu. Portraitiste et peintre historique, il se construit une réputation de peintre cosmopolitain à la mode. En 1886, il adopta l'Angleterre où il consolida sa réputation de portraitiste. Cette dernière s'étendit jusqu'en Amérique où il se rendit régulièrement pour travailler sur des commandes dont un projet qui lui demanda 25 ans à compléter pour la Boston Public Library. Il termina ses derniers panneaux de murales, les envoya à Boston pensant les suivre pour leur installation, mais il mourut quelques jours plus tard, le 14 avril 1925.

Cette aquarelle semble tri-dimensionnelle. La lumière et le détail du plâtre décoratif semble avoir été fait avec rapidité et adresse - comme un croquis. On trouve ce type de décoration sur plusieurs murs de plusieurs immeubles, au-dessus de portes, de fontaines, de monuments publics dans toutes les villes du monde. Je suis toujours fascinée par tous les symboles qu'ils contiennent et qui me sont la plupart du temps inconnus. J'aime toujours écouter raconter leur sens historique de ces décorations que l'on prend pour acquises par quelques conteurs joyeux de partager leurs connaissances. Souvent l'artiste prend quelque liberté dans ses représentations, mais souvent, il obéit à quelques règles rigides, et se doit de souligner des faits marquants de l'histoire, y camouflant une touche très personnelle! Tant d'historiettes à découvrir...

SIENKIEWICZ, Kimberly

2008-12-07T22:23:00.001-05:00

Kimberly Sienkiewicz est née en octobre ou novembre 1987 à Chicago en Illinois aux États-Unis. Jeune graduée du baccalauréat en peinture de l'Université Valparaiso de Valparaiso en Indiana depuis mai 2008. Elle travaille exclusivement in vivo et est encore à explorer toutes sortes de textures sur ses canvas. On peut trouver ce sac à main dans quelques unes de ses toiles.

Les sacs à mains sont pour moi des mystères. Personnellement, je préfère diffuser mes trucs, machins, cossins dans les poches de mes vêtements plutôt que traîner un sac... parce que plus il est gros, plus il semble être plein, lourd, encombrant et attire l'attention. J'aime avoir les mains libres. La nécessité d'avoir plusieurs modèles, formes, couleurs assortis aux souliers, aux accessoires, aux vêtements, aux circonstances ne fait pas de sens pour moi. S'il le faut, un seul sac doit contenir le strict nécessaire ou miraculeusement doit contenir tout ce qu'il faut discrètement - même l'inusité: l'imperméable, la p'tite culotte de rechange, la brosse à dent, les sacs de provision, la flashlight, le couteau suisse... Les sacs dans le garde-robe de ma mère était classés par couleur, grandeur. Chaque sac au repos contenait du papier pour l'aider à conserver sa forme et était inséré dans un sac de plastique pour que la poussière ne les encroûte pas. Quelques années plus tard, le plastique est devenu gris et il n'est plus possible de savoir ce qu'ils contiennent... ils tombent dans l'oubli et l'obsolescence...

SIDDIQI, Joseph

2008-12-07T22:17:00.002-05:00

Joseph Siddiqi est né à Montréal en 1972. Il a étudié à l'École Nationale des Beaux-Arts de Bourges en France, complété son baccalauréat en Studio Art de l'Université Concordia et obtint une maîtrise en peinture de l'Université de Boston. Les paysages urbains se profilent sur ses toiles, dans une lumière sensuelle, presque futuristique. Inspiré par la silhouette architecturale de la ville de Montréal telle qu'elle s'étale à l'horizon à la nuit tombante, avec ses espaces clos et ses espaces grands ouverts, ville colorée qui chatoie selon la lumière du jour ou de la nuit. Cela représente pour lui la tension entre la vie dans notre état naturel et notre vie compartimentée dans la ville, soulignant l'état cousu de fil blanc, fort fragile, de notre vie communautaire.

Absolument extraordinaire pour moi... Ce n'est pas en tant qu'adulte que j'ai pris le temps d'admirer ainsi cette ville qui est devenue mienne. Mais en tant qu'enfant. Dans nos voyages de retour à la maison, après avoir visité la famille ou après avoir fait la razzia dans les magasins, avant de faire la longue route à travers la campagne pour regagner notre patelin, c'est le nez collé dans la vitre arrière de la voiture que je regardais défiler les immeubles géants, les phares des voitures hypnotisants, les publicités colorées, alors que la nuit tombait doucement. Je ne me rassasiais jamais assez de cette animation qui me questionnait: qu'ont tant les gens à faire dans ces agglutinements architecturaux?... et bientôt, la ville disparaissait, plus qu'une demi-bulle de lumière sur l'horizon, alors que m'avalait la noirceur impénétrable, le silence assourdissant et l'immuabilité de la campagne...

SHOSTAK, Peter

2008-12-07T22:10:00.001-05:00

Peter Shostak est né en 1943 et a été élevé sur une ferme dans le nord-est albertain. Ses toiles respirent l'amour pour les grandes prairies de son enfance. Après avoir complété son secondaire en 1961, il a fréquenté l'Université d'Alberta en Éducation des arts. Il devint un enseignant de niveau secondaire et de soir, il enseigna le dessin et la peinture aux adultes. Il termina sa maîtrise en 1968. Puis, il déménagea à Victoria en Colombie-Britannique où il devint assistant professeur en éducation des arts de l'Université Victoria . En 1979, parce qu'il manquait de temps à investir dans sa peinture, il abdiqua ce poste et devint artiste à temps plein. En 1983, il devint artiste honoraire de l'Alberta. Il compte à son actif une cinquantaine de toiles commémorant les pionniers ukrainiens au Canada qui lui valurent un prix d'excellence du Conseil Albertain pour les arts ukrainiens. Ces toiles qui lui exigîrent des recherches approfondies, firent le tour de l'ouest canadien en 1992 et figurèrent à l'exposition nationale du Canadien Pacific à Vancouver. Récemment, réaménagé à Courtenay en Colombie-Britannique, il voyage régulièrement en Alberta pour y prendre des photos des paysages.

Sur la rivière gelée, au pied de la colline où notre maison dominait la vue, les voisins préparaient religieusement leur patinoire chaque hiver. Tous les soirs où la lune projetait la lumière du soleil, il y avait des parties de hockey amicales entre gens du quartier de tous âges... Le froid ne les retenaient pas souvent à l'abri de leur chez soi, et à chaque neige, ils ne manquaient pas de volontaires pour pelleter l'indésirable. La glace de la rivière, bien que solide, montrait de grandes failles gelées et crissait sous nos lames qui résonnaient d'un bruit franc bien particulier sur la surface.. Après le jeu, une fois que chacun soit retourné se réchauffer dans un bon bain chaud ou d'épaisses couvertures, moment précurseur à une nuit de sommeil profond, un parent, bravement, étendait une nouvelle couche d'eau afin de réparer les taillades au sol révélant les jeux stratégiques du jour.

SHEN, Han Wu

2008-12-07T21:59:00.001-05:00

Han Wu Shen est né en 1950. C'est un peintre à l'huile de facture classique réaliste et aussi de style traditionnel chinois, illustrateur et éditeur. Plutôt que de traiter de personnages imaginaires, il préfère faire des portraits de gens dans leur quotidien. Il ne cherche pas à provoquer et choquer, il recherche la simplicité, la gentillesse et le naturel chez les gens. Ceux qui vivent dans les villages dans les montagnes travaillent dur tous les jours du matin jusqu'au soir, côte-à-côte avec la nature, et rentrent chez eux se reposer. Sa prédisposition chaleureuse et empathique envers la sincérité de ces gens et une touche de nostalgie pour la paix et la simplicité de leur vie transparaît dans sa manière de les peindre. Han Wu commença à gagner sa vie avec son art en 1971. En 1980, il fréquenta le Electronic Education Center de la Huazhong Normal University pour y étudier le design artistique en tant qu'illustrateur. Au cours de la décennie qui suivit, il connut le succès, gagna maints prix et reconnaissances. En juin 1986, il entra à la Wuhan Art Academy et devint un artiste professionnel. En septembre 1987, il entra dans le programme de peinture de la Hubei Art Academy dont il gradua en 1989. Et depuis 1990, il est définitivement peintre à temps plein. Il a participé à de nombreuses expositions solos et de groupe et remporté de nombreux prix. Il a joint les rangs de l'Association des artistes de Chine en 1995. Il est aujourd'hui un des plus illustres artistes de Chine et enseigne à la Wuhan Art Academy.

Le partage des gâteries. Un thème universel dans toutes les familles où les enfants sont rois, peu importe la richesse de leur quotidien. Le plaisir de découvrir, de retrouver des saveurs, des couleurs, des textures nouvelles, la gourmandise. Et souvent, c'est dans la manière d'aborder la gratification que le vrai plaisir se trouve!

SHASHA, Mark

2008-12-07T21:52:00.001-05:00

Mark Shasha a grandi sur le bord de la mer au Connecticut. Il fréquenta la Rhode Island School of Design à Providence d'où il gradua en 1983. Emménagé à Boston, il travailla comme illustrateur dans les journaux et magazines. Il publia le premier de ses nombreux livres pour enfants en 1992 et à ce titre, fut un orateur intéressant et recherché pour les écoles et son jeune public sur les sujets de l'écriture, de l'illustration, incorporant musique, histoire de l'art, et processus créatif à ses présentations. En 1999, il a repris à temps plein ses pinceaux et ses études tant réalistes qu'impressionistes. Il a participé à maintes expositions aux côtés d'artistes tout aussi prestigieux, reçu de nombreux prix. S'il ne peint pas, on le voit comme acteur et chanteur sur les planches jouant volontiers de sa guitare. Il vit avec sa femme et sa famille sur la rive nord de Boston.

Cela pourrait être moi un été de mon enfance sur les berges du lac Champlain dans la baie Missisquoi. C'est très près semblable au souvenir que j'en garde... Les longues journées à jouer dans l'eau, le soleil qui brûle sur la peau le soir venu, les frissons en plein été, le sommeil avec les grillons... et le sable partout malgré les bains, les douches...

SHAHN, Ben

2008-12-07T21:45:00.001-05:00

Ben Shahn est né le 12 septembre 1898 à Kovno en Lithuanie d'une famille d'artisans juifs. Les activités anti-tsarisistes de son père ont forcé la famille à émigrer aux États-Unis en 1906. Il grandit à Brooklyn, un quartier de la classe des travailleurs. Il fut apprenti dans une boutique de lithographie alors qu'il finissait ses études secondaires de soir, puis ses cours à l'Université de New York, et ceux du City College de New York et de la National Academy of Design. Il s'est toujours servi de son art pour combattre les injustices et éveiller la conscience sociale de ses compatriotes en s'attardant sur les grands jugements à grand déploiement politique dont celui des anarchistes Sacco et Vanzetti. Peintre, muraliste, illustrateur, graveur et photographe, il a même servi trois ans comme conseiller municipal dans la ville de Roosevelt dans le New Jersey américain. Il est mort à New York le 14 mars 1969.

Ces hommes, Sacco et Vanzetti, ont été accusés d'un braquage, condamnés à mort, exécutés sur la chaise électrique malgré les protestations publiques et internationales devant le peu de preuves formelles et l'aveu d'un tierce pour le dit méfait. Cinquante ans après leur mort, ils furent absous de tout. Ce portrait les montre, dans une attitude de rectitude. Pas de traces de peur, d'aliénation chez ces hommes. Ceci inspire davantage l'indignation envers ceux qui ont maintenus les accusations portées contre eux. Un moment où la voie du milieu criait à l'injustice, comment la société a-t-elle pu rester impuissante et ne pouvoir agir? Il me vient à l'idée d'autres types de situations où on peut s'indigner sans pouvoir intervenir: Lorsque Marc Lépine a demandé aux hommes de sortir de la classe afin de ne garder que les femmes en joue avec sa carabine; lorsqu'on voit les attitudes inadéquates d'un parent qui laisseront des traces douloureuses dans la vie de son enfant - puisqu'inaptitude au bonheur, mais pas de violence reconnue légalement; quand un maître empêche systématiquement son animal d'aller là où il veut - au centimètre près... En ne pouvant agir, on reste un témoin silencieux, on reste un contributeur à l'injustice...

SÉGUIN, Marc

2008-12-07T21:36:00.001-05:00

Marc Séguin a vu le jour le 20 mars 1970 à Ottawa, Ontario, Canada. Il est bachelier des Beaux-Arts de l'Université Concordia à Montréal, Québec, Canada. Sa première exposition en 1996 a créé de forts retentissements chez les amateurs et les critiques et a ainsi lancé sa carrière. Graveur et peintre prolifique et talentueux, il a exposé sur les thèmes de la fougue et de la passion, sur les fenêtres rosacées médiévales, les démons, les papes, les loups croqueurs d'hommes, des paysages ténébreux. Il mêle dessin, peinture, gravure à pointe sèche, sérigraphie, relief et découpage. Avec son comparse Martin Picard de Au pied de cochon, fameux restaurant gastronomique de Montréal, il coure régulièrement les bois québécois pour la chasse et en quête de carcasses animales pour donner leur pelage aux bêtes de ses oeuvres. Il est à l'affût, d'une grande sensibilité aux crises qui sied dans son environnement, dans le monde contemporain. Dans ses toiles, on trouve l'être humain aux prises avec la nature qui le ronge violemment ou qu'il détruit avec le même acharnement. On dit que sa peinture est «gothique» et «fin de siècle». Mais c'est dans un univers hors du monde et du temps qu'il nous interjècte dans ce qui se passe d'inquiétant, dans des scènes qui prennent nos émotions avec toujours la même force sauvage et sournoise. Exécutées avec un soin méticuleux, ce daltonien fait un usage sobre de la couleur... qui en bout de ligne rend le tout percutant. Ses oeuvres ont été vues sous le ciel de Montréal, Madrid, Barcelone Venise, Berlin, Cologne, Bruxelles, Basel, New York, Miami et Chicago... Son studio est à Brooklyn, mais il fait régulièrement la navette à Montréal.

Mon lien va sembler trop facile. La sirène charme les hommes par ses chants mais les incitent ainsi à se briser sur les récifs avec leur navire lorsqu'ils tentent de s'en approcher. Ici, la prise est une sirène - symbole d'une menace difficile à saisir et déloger. L'identité du pêcheur est cachée par sa cagoule - résolument une tenue de ville contemporaine, les manches retroussées, il a l'allure d'un chasseur de baleine eskimo qui a mené une bonne bataille pour arriver à ses fins. L'homme qui a vaincu l'enjôleuse... Gare à vous Mesdames croqueuses d'hommes - mais aussi le sentiment ambigü que l'homme tue la beauté du monde...

SCHWADRON, Julia

2008-12-07T21:24:00.001-05:00

Julia Schwadron a d'abord fréquenté la Pratt Institute of Art de Brooklyn de l"état de New York. Elle devint bachelière en Studio Art de l'Université de Californie à San Diego, La Jolla en Californie. Avant de faire sa maîtrise, elle fit un stage en Théorie Critique à l'Université Temple de Rome. Son statut de maître en peinture, elle l'obtint de la Tyler School of Art de Elkins Park en Pennsylvanie. Elle ne peint pas des narrations mais cherche plutôt à provoquer un souvenir, un sentiment de déjà vu par ses allures de négatifs, de photogrammes, de courtepointe impressionniste.

Cette peinture donne l'impression d'un plan de quartier et de ses activités humaines tel que cela serait vu par un enfant - manière pandémonium. Tout y est. Théorie du chaos. Théories de la créativité et de la mémoire qui récupère en mariant et remariant les concepts dans des combinaisons infinies pour saisir tant bien que mal un ensemble. Ce qui permet de croire que même les enfants peuvent se faire une représentation de la complexité... Ces idées qui surgissent font, bien sûr, partie de mon passé académique qui ne provient pas de la même partie de mon cerveau et qui n'a rien à voir avec la qualité de liberté qu'exige l'exécution de ce genre de toile.

SCHMITZ, Gabriel

2008-12-07T21:19:00.001-05:00

Gabriel Schmitz est né en 1970 à Dortmund en Allemagne. Il a fréquenté l'École d'art d'Edimbourg en Écosse de 1990 à 1994. Sous le programme d'échange Erasmus, il fréquenta la faculté de BB AA de Salamanque en Espagne en 1993. Et en1994-1995, il fît sa maîtrise en Art Européen à l'École d'Art de Winschester en Angleterre. Sa palette est de style impressionniste introspectif. Figures féminines qui regardent ailleurs, mouvement naturel de la danse, de la marche, du repos sont empreints d'une tristesse profonde et complexe. L'objet qu'il recherche est à peine voilé: comment le temps pénètre-t-il l'être.

J'aime beaucoup ce portrait. On sent une certaine intimité avec le personnage. On sent la lumière. Rien d'intrusif, mais particulièrement humain. Dans ma ville natale, il y a eu deux enfants noirs adoptés - jamais aucun adulte noir. Lorsque j'ai habité aux États-Unis, j'ai fréquenté une école où plus de 80% de la population étudiante était noire. Et pour comble, la première enseignante noire que j'ai connu s'appelait Mrs. White! J'ai ri de bon coeur car je croyais qu'elle blaguait, mais après la cinquième fois qu'elle me répèta son nom, je réalisai qu'elle était sérieuse... Le silence atterré de la classe fut une expérience incroyable. Mon rire avait été perçu comme une offense profonde! Elle-même eût beaucoup de difficulté au début à saisir que la tension raciale n'existait pas du tout dans mon esprit. Mais vers la fin de la session, il lui était devenu transparent que j'avais seulement un sain sens de l'humour! Et elle n'hésita pas à réenacter cette scène en inversant les rôles et en m'appelant Whity non sans affection, ce qui fit rire tout le monde!

SCHLAMADINGER, Eftichia

2008-12-07T21:12:00.002-05:00

Eftichia Schlamadinger née en 1968 à Graz en Autriche. Ses oeuvres abstraites sont réalisées en acrylique sur toile ou sur bois. Pour elle, la couleur, à travers les formes et le mouvement, révèle l'impression perceptible de ses émotions. Elle traduit spontanément ses sentiments de voyages, issus de rencontres, et les rend tangibles, profitant de la stimulation de l'espace créatif entre abstrait et concret.

Ce paysage évoque pour moi, la longue marche qui mène à Lhassa, la longue marche de la Voie du Milieu, du moins comme je l'imagine... Démarche spirituelle, de la noirceur de l'ignorance à la lumière de la Connaissance avec ses divers paliers de conscience.

SAVILLE, Jenny

2008-12-07T20:54:00.001-05:00

Jenny Saville est né en 1970 au sein d'une famille d'enseignants à Cambridge en Angleterre. En 1988, elle fréquenta le Glascow School of Art en Écosse où il y avait peu de tutorat féminin en Art. Bénéficiant d'une bourse pour six mois d'études à l'étranger au milieu de sa formation, elle put remédier à ce manque grâce à des lectures féministes intensives à la Cincinnati University en Ohio aux États-Unis. Aussi, elle pu développer un thème pour son concours de fin d'étude (1992) inspirée de femmes obèses telle qu'elle en croisait en grand nombre dans les centres d'achat américains. Dans notre société obsédée par l'apparence physique, elle s'adresse figurativement au corps charnu des femmes, à ceux des êtres dont l'identité est intensément liée à leur physique, en se prenant souvent comme modèle. Elle vendit toutes ses toiles peintes à grande échelle suite à sa première présentation. Au cours de l'année suivante, de nouvelles pièces parurent à une exposition à Londres alors qu'elle n'avait pas les moyens de s'y rendre. Le célèbre galériste Charles Saatchi fut enchanté. Il colligea toutes ses toiles, retraça celles vendues et lui commanda des toiles qu'elle mit deux ans et quatre mois à produire. Il les exposa dans sa galerie de Londres en 1994 ce qui donna un rayonnement incroyable à Jenny Saville jusqu'à New York, Stockholm et à Londres. Plus tard cette année-là, elle emménagea à New York où elle observa de près le travail d'un chirurgien cosmétique, allant même en salle d'opération. Cela lui permit de comprendre encore mieux le corps humain, les transformations physiques possibles et les aspects psychologiques de ces changements. Par la suite, elle participa à une couple d'expositions de groupe assez controversées qui augmenta son momentum. On la compare souvent à Lucian Freud dans sa manière de présenter la vérité telle quelle. Elle a déjà travaillé à Londres comme tutrice en peinture figurative à la Slade School of Art. C'est une des artistes contemporaines les plus prometteuses de l'art figuratif.

Il m'est arrivé à quelques reprises de discuter avec des personnes ayant entamé une transformation de ce genre. À mi-chemin entre le masculin et le féminin. Certains sont heureux de leur cheminement sans arrière pensée malgré de nombreux obstacles sur leur chemin. Certains arrêtent leur processus de changement lorsque l'âge, certaines désillusions dans les relations humaines les bousculent, les agressent. Un jour, dans une salle d'attente de médecin, un de ces individus visiblement aux aboies me confia: «Que suis-je? Ni homme, ni femme et déjà trop âgé(e) pour plaire. Je n'ai pas l'argent pour tout maintenir en place. J'ai perdu le désir. Je me sens désespéré car qui voudra de moi ainsi?» Je l'ai revu quelques temps plus tard, bras dessus bras dessous avec son fard plus frais que le mien, s'esclaffant théâtralement. Mais pensais-je, était-ce du bonheur?

SANTOS, César

2008-12-07T20:42:00.001-05:00

César Santos est né le 10 juillet 1982 à Santa Clara, Cuba et mène une carrière prometteuse à partir de Miami en Floride. Tôt à l'école secondaire, il plonge dans les cours de dessin et de peinture. Il poursuit et gradue de la Miami Dade College en tant qu'Associé des arts, et de la New World School of the Arts de Miami en Floride aux États-Unis. Sa formation classique en art réaliste, il l'a reçu à l'Angel Academy of Art de Florence en Italie. Il est l'auteur de maintes commandes publiques et privées. Il aime créer une ambiance magiquement près de la réalité à partir de rien, car c'est sa toile vierge qui le stimule.

Une mère et sa fille. C'est le rôle qui a marqué ma vie de jeune adulte. Bien que ma fille ait grandi et soit une adulte elle-même aujourd'hui, dans mon esprit, il y a une image d'elle à un âge comparable à celui de cette enfant que je gardes en moi, dans mes bras, serrée tout contre mon coeur. C'est intégré dans la nature de ce qui nous lient. La vie qui a permis tous ces souvenirs à tous les âges tissent nos liens. Les quatre premiers mois de sa vie, j'ai jonglé, réfléchi profondément avant de lui choisir des noms. Car, avec ses noms, je rêvais mon enfant, l'adulte que j'espèrais, la femme qui s'affirmerait. Ce temps de réflexion a pavé ma route, m'a donné un sens de direction, m'a donné des balises pour l'encadrer de mon mieux. Cela a dessiné une ligne de conduite prioritaire, pour son bien. Au fur et à mesure que j'ai éprouvé le succès de ma démarche, c'est inopinément le lâcher-prise que j'ai dû apprendre... Ouvrir ces bras qui l'embrassent pour la laisser libre dans le monde...

SANDORFI, Istvan

2008-12-07T20:36:00.001-05:00

Istvan "Étienne" Sandorfi est né à Budapest en 1948 et mort à Paris le 26 décembre 2007 d'une maladie qui l'emporta rapidement. Son père était directeur d'IBM en Hongrie. Au cours du régime communiste, il a été emprisonné cinq ans dans les prisons staliniennes et sa famille a été déportée dans un village isolé de la Hongrie à cause de cette association. Dans la révolution de 1956, toute la famille a fui le pays et ils sont devenus expatriés d'abord en Allemagne, puis en France. À 12 ans, grandement affecté par son expérience de la violence et des aberrations des systèmes politiques, Istvan se réfugia dans le dessin et la peinture à l'huile. Cela devint une passion dévorante au détriment de ses études. Alors qu'il n'avait que 17 ans et était toujours aux études, il eût sa première exposition dans une petite galerie de Paris. Après sa seconde exposition, l'année suivante, il abandonna le dessin pour se dévouer exclusivement à la peinture. Sa famille pense alors qu'il serait plus prestigieux d'obtenir une formation adéquate, que de simplement peinturlurer et l'envoie d'abord à l'École des Beaux-Arts puis à l'École des arts décoratifs. Il gagna peu à peu son indépendance financière en vendant ses tableaux, en effectuant des commandes et en créant quelques illustrations commerciales mais il préfère vivre de contrat exclusif en contrat exclusif avec les galeries afin d'éviter tout le tâtin administratif et se dépenser entièrement à son art. Sa première grande exposition fut au Musée de l'art moderne de Paris en 1973 et d'autres ont suivis en France, en Allemagne, en Belgique et aux États-Unis. Pendant une quinzaine d'années, il a peint des auto-portraits agressifs dans un style théâtral, qualifié d'«assassin», plus grands que nature - laissant ses critiques ambigües. Ce n'est qu'à partir de 1988, alors qu'il commence à élaborer sa technique d'année en année qu'il connaît enfin le succès. Vivant avec ses tripes, et autodidacte, il se méfiait depuis l'enfance des choses «apprises» et il demeura fidèle à ses convictions personnelles. Il préférait peindre la nuit, mais chaque jour il se couchait de plus en plus tard et il vécu ainsi constamment dans un hiatus temporel qui entravait sa vie sociale. Heureusement qu'il avait le cercle familial pour le soutenir et lui éviter l'isolement - il était père de deux filles.

Cette nature morte parle de la spontanéité, de l'actualité, de l'éphémère, de la transparence et de l'opacité, de la lumière et de l'ombre, de l'esthétisme et son antonyme l'indifférence, de l'état liquide, poudre et solide inanimé et vivant, d'applications intentionnés et accidentelles de peinture. Ce qui fait d'un sujet apparemment anodin, un sujet dense et complexe tant dans son exécution que dans son sens. Si j'ai choisi cette toile c'est que la présence de taches, coulisses, et présence hors d'ordre apparente de bouteilles sur la table aurait eu droit au don «lance-flamme» de propreté de ma mère sans préoccupation aucune pour le propos qui s'étale là. Éradiquer. Était sa mission. Je n'ai jamais connu d'espace de bordel créatif approprié... et pourtant elle a rendu ma vie bordélique!

SANDOR, Béate

2008-12-07T20:30:00.001-05:00

Beate Sandor est née en Hongrie en 1964 et vit depuis 1987 à Vienne en Autriche. Elle a étudié à la High School of Fine and Applied Arts de Budapest et à l'Austrian Academy of Applied Arts de Vienne en photographie et peinture. En photographie, elle se concentre sur le monde de la musique jazz. Dans sa peinture, elle est en quête de motifs présentant des variations de cercles inter-connectés. Le cercle est le concept de base de ses travaux depuis 1996. Il prend source en Platon et son concept de l'homme en tant que moitié parfaite de la femme. Ses étapes de travail du début à la fin sont nombreuses et complexes, division mathématiques et superpositions de formes et de couleurs.

Cette toile en particulier donne l'impression d'un homme qui sort du tableau avec un feu froid aux trousses. Cela me rappelle les dessins animés de la linéa d'Osvaldo Cavandoli qui paraissaient entre deux émissions quand j'étais jeune. Ce dessin animé m'impressionnait à cause de la relation du personnage au dessinateur et sa frustration devant la paresse ou les intentions de l'auteur de le négliger ou de l'anéantir. Ce rapport surréel plaçait l'oeuvre maîtresse ou partenaire de l'auteur. Ce même rapport, je l'ai retrouvé dans les bandes dessinées de Philémon de Fred. Je poussai mes excursions bédéennes par la suite dans Hara-Kiri et l'hebdo Charlie dont je raffolais ado. Références subversives s'il en est.